Billboard Bolivia Noviembre 2021
CHARTS 3 Summer Time: Walker llega al N°1 en el Billboard Hot 100. INTRO 13 Latin Grammys 2021: Camilo brilló en la noche latina. ENTREVISTAS Y PERFILES 20 Damián Amato 22 Fernando Moya 24 Agustín Dusserre 28 Ally Brooke 32 Daddy Yankee 41 Karol G 42 Natti Natasha 48 Lola Índigo 52 Entrelazados 60 Abraham Mateo 62 Danny Ocean 64 T1419 66 Alejandro Santamaría, Ovy On The Drums y Adso 68 CELLI 70 Fuego 72 Duran Duran 74 Natalie Pérez-Guaynaa Lives 54 Young Blade 56 Orgasmo 58 Gary Suárez 74 Álbumes del mes 76 Bodas de Oro – 50 Años de Álbumes Clave: Led Zeppelin IV, Led Zeppelin. Especiales 13 Gran presentación de Billboard en Santa Cruz de la Sierra.
CHARTS
3 Summer Time: Walker llega al N°1 en el Billboard Hot 100.
INTRO
13 Latin Grammys 2021: Camilo brilló en la noche latina.
ENTREVISTAS Y PERFILES
20 Damián Amato
22 Fernando Moya
24 Agustín Dusserre
28 Ally Brooke
32 Daddy Yankee
41 Karol G
42 Natti Natasha
48 Lola Índigo
52 Entrelazados
60 Abraham Mateo
62 Danny Ocean
64 T1419
66 Alejandro Santamaría, Ovy On The Drums y Adso
68 CELLI
70 Fuego
72 Duran Duran
74 Natalie Pérez-Guaynaa
Lives
54 Young Blade
56 Orgasmo
58 Gary Suárez
74 Álbumes del mes
76 Bodas de Oro – 50 Años de Álbumes Clave: Led Zeppelin IV, Led Zeppelin.
Especiales
13 Gran presentación de Billboard en Santa Cruz de la Sierra.
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NATTI
NATASHA
LOLA ÍNDIGO
KAROL G
DURAN DURAN
ABRAHAM
MATEO
LIVES
Blade
Orgasmo
Gary Suárez
Daddy Yankee
EL PADRINO
ISSN 2344-9276 · Año 1 · Nº 3· Noviembre 2021
DATOS DE LA SEMANA 20.11.2021
Summer Time: Walker llega al N°1
S
ummer walker obtiene tanto
su primer N° 1 en el Billboard
200 como su canción más alta
en el Billboard Hot 100. En el
primero, el segundo álbum de
estudio de la nativa de Atlanta de 25 años, Still
Over It, llega con 166.000 equivalentes a álbumes
equivalentes en los Estados Unidos durante
la semana que finalizó el 11 de noviembre, según
MRC Data. Es el primer conjunto de R&B de
una mujer que encabeza el Billboard 200 desde
que A Seat at the Table de Solange encabezó el
chart el 22 de octubre de 2016.
Respecto a Still Over It, sus unidades de
streaming-álbumes equivalentes representaron
153.000 del total (lo que equivale a 201.1 millones
de transmisiones a pedido de las pistas del
álbum, un récord para un R&B establecido por
una mujer), mientras que las ventas de álbumes
representan 12.000 y la pistas-unidades de álbumes
equivalentes constituyen los 1.000 restantes.
El álbum sigue al EP 2020 de Walker, Life on
Earth (llegó al N° 8), y a su álbum debut de estudio
de 2019, Over It (No. 2). Walker también
suma 18 canciones en el Hot 100, todas de Still
Over It, y empata a Taylor Swift (el 7 de septiembre
de 2019, Lover entró en la cima del Billboard
200) a la mujer artista con más canciones en el
chart en simultáneo en los 63 años de historia de
la lista. “No Love”, con SZA, lidera en el N° 13,
debutando como el éxito más alto de Walker y superando
su N° 16 en “Playing Games” en 2019.
Walker rompe su propio récord de la mayor
cantidad de top 10 simultáneos en Hot R&B
Songs por una mujer, ya que siete de las pistas del
nuevo álbum aparecen en el nivel, lideradas por
“No Love” en el N°2.
Anteriormente había tenido hasta seis top 10 juntos
(19 de octubre de 2019), al mismo tiempo que el
debut en las listas de Over It .—KEITH CAULFIELD
BILLBOARD.BO
3
H
HOT 100
DATOS DE LA SEMANA DEL 20.11.2021
27
RYAN HURD WITH
MAREN MORRIS
“Chasing After You”
2 WKS.
AGO
LAST
WEEK
THIS
WEEK
24 22 21
23 21
22
11 15 23
- 10
24
37 25 25
43 29 26
D A T A F O R W E E K O F 10.09.2021
TITLE CERTIFICATION
PRODUCER (SONGWRITER)
IF I DIDN’T LOVE YOU
M.KNOX (J.MORGAN,
T.KENNEDY, K.M.ALLISON, L.VAUGHAN)
TAKE MY BREATH
MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND
(A.TESFAYE, A.BALSHE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER)
Jason Aldean & Carrie Underwood
MACON/CAPITOL NASHVILLE/
BROKEN BOW
15 10
The Weeknd
6 8
XO/REPUBLIC
FAIR TRADE Drake Feat. Travis Scott
OZ, J.A.SWEET, PATRON, TRAVIS SCOTT, WONDAGURL (A.GRAHAM, TRAVIS SCOTT, O.YILDRIM, J.A.SWEET,
E.N.OSHUNRINDE, R.S.ANTOINE, C.DAY WILSON, BABYFACE, T.HALM, V.J.L.WADE, D.EMILE II, B.L.BANKS, M.O.GORDON, K.F.MOSOV)
OVO SOUND/
REPUBLIC
3 4
THATS WHAT I WANT Lil Nas X
10 2
COLUMBIA
O.FEDI, B.SLATKIN, R.B.TEDDER, KBEAZY
(M.L.HILL, O.FEDI, B.SLATKTIN, R.B.TEDDER, K.C.BACH)
TRAITOR Olivia Rodrigo
D.NIGRO (O.RODRIGO, D.L.NIGRO)
GEFFEN/INTERSCOPE
COLD BEER CALLING MY NAME Jameson Rodgers Feat. Luke Combs
C.FARREN, J.D.MITCHELL (J.RODGERS,
H.PHELPS, BRETT TYLER, A.VANDERHEYM)
Artist
IMPRINT/PROMOTION LABEL
RIVER HOUSE/
COLUMBIA NASHVILLE
PEAK
POS.
WKS. ON
CHART
9 19
26 13
LATTO FOTO: MARCELO CANTU HURD: NICK \ ADELE FLETCHER. FOTO: DRAKE: SIMON COURTESY EMMETT OF REPUBLIC \ RECORDS.
CARRIE UNDERWOOD FOTO: FACEBOOK \ BRUNO MARS FOTO: GENTILEZA WARNER
he 34-year-old
alamazoo, Mich., native’s
rst Hot 100 entry also
olds its No. 4 high on the
ot Country Songs chart.
ow did “Chasing After You”
ome together?
YAN HURD It’s an older song
hat was on hold for other artists.
n Nashville, everybody knew the
ong from it being played at writrs’
rounds. The fact that it fell
o me and [spouse] Maren, we
till can’t believe it. I’m proud of
ongwriters] Brinley Addington
nd Jerry Flowers — I’d never
eard anything in Nashville like it
efore. It has that guitar part that
ollows the vocal melody, and it
akes the entire song.
4
DRAKE
FEAT. FUTURE AND
YOUNG THUG
“Way 2 Sexy”
he song becomes
rake’s recordxtending
and miletone
40th No. 1 on the
ainstream R&B/Hipop
Airplay chart. He
ow has twice as many
aders as runner-up
il Wayne.
2 WKS.
AGO
How has writing songs
for others shaped your
own solo career?
I put my first music out as an
artist in 2017. I had to learn so
much between then and now.
Going from being a staff writer
in Nashville and having a couple
of hits under my belt, you think
that’ll translate into either people
giving a shit about your career
or into actually being a good
artist. The fact is, songwriting and
being a recording artist have very
little to do with each other.
LAST
WEEK
THIS
WEEK
17 14 11
12 12 12
13 9
13
16 17 14
Tell me the story behind
your debut album title,
Pelago [out Oct. 15].
I wrote “Coast” with Aaron Eshuis,
and it was a hard song to get
right. We needed a placeholder
word that rhymed with Chicago.
We said “pelago,” not knowing
anything. Then we realized this
is the exact word we needed. It
means open sea and overwhelming
passion [in Latin], and those
two themes run through the
entire album. It just clicked.
- 71 37 STM LEOR, HAZE, CHEESE
NEVER BROKE 37 2
(K.D.GAULDEN, L.SHEVAH, E.HAYES, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC
Lo sabía. Soy joven y no conocía “Genius of Love” de Tom Tom Club. Solo sabía
que era una mezcla de TOO trap y EASY pop y que traería una nueva Gunna audiencia & Future a mi carrera.
NEW 38 WHEEZY, S.MOMBERGER (S.G.KITCHENS,
GUNNA/YOUNG 38 1
Tomó meses obtener la N.D.WILBURN, autorización W.T.GLASS, antes S.MOMBERGER) de que pudiéramos STONER hablar LIFE/300 sobre un
—JESSICA NICHOLSON lanzamiento, pero me gusta mantenerme artístico y preocuparme por mi trabajo.
No voy LEAVE BEFORE YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers
32 a contenerme 26 39 musicalmente porque algo en el lado comercial podría
MARSHMELLO, ALESSO, HEAVY MELLOW, N.GALE (MARSHMELLO, P.J.PLESTED, N.J.GALE,
JOYTIME COLLECTIVE/ 19 no 19
funcionar.
R.P.B.BOARDMAN, P.BOWMAN, W.E.VAUGHAN, A.R.R.LINDBLAD, E.ROMANO, C.ARNOLD, G.MARROW, D.MARTIN)
REPUBLIC
TITLE CERTIFICATION
Artist ¿Qué significa NEW para 40 TNTXD, ti tener DMAC, EINER “Gran BANKZ, Energía”?
CHEESE (K.D.GAULDEN,
NEVER BROKE 40 1
PRODUCER (SONGWRITER)
IMPRINT/PROMOTION LABEL
T.HORTON, D.H.MCDOWELL, E.BANKZ, J.GOLDBERG)
AGAIN/ATLANTIC
Tomé esta cita masculina y moderna de “big dick energy” de Twitter y la convertí
ESSENCE Wizkid Feat. Justin Bieber & Tems
PEACHES 2 Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon
P2J, LEGENDURY BEATZ (A.I.BALOGUN,
11 13en algo 40 en el 36 que 41 todos
STARBOY/RCA
HARV, los SHNDO géneros (J.D.BIEBER, pueden A.WOTMAN, G.D.EVANS, tener B.HARVEY, “gran energía” y llevarlo RAYMOND más 1 28
R.ISONG, O.E.ONIKO, U.E.ONIKO, T.OPENIYI, J.D.BIEBER)
allá de [algo] sexual. Quería
L.M.MARTINEZ
que
JR.,
fuera
L.B.BELL, F.KING,
empoderador,
M.S.LEON, K.YAZDANI,
es
A.SIMMONS)
un aura que
BRAUN/DEF
llevas
JAM
y una
SAVE YOUR TEARS 3 The Weeknd & Ariana Grande confianza. Es solo una
FAMILY
vibra general
TIES
y cuando Baby entras Keem en & la Kendrick habitación, Lamar tienes una
MAX MARTIN, O.T.HOLTER, THE WEEKND (A.TESFAYE,
1 42 25
38 42
A.BALSHE, J.QUENNEVILLE, MAX MARTIN, O.T.HOLTER, A.GRANDE)
XO/REPUBLIC “gran energía” y nadie BABY puede KEEM, CARDO decirte ON THE BEAT, OUTTATOWN, lo contrario. ROSELILAH, DEATS, J.L.HARRIS, Es edificante. FRANKIE BASH —RANIA BABY KEEM/ ANIFTOS 18 5
(H.CARTER JR., K.L.DUCKWORTH, R.LATOUR, T.DEKKER, R.L.BACHA, D.PATRZEK, J.L.HARRIS, C.FRANKEN) PGLANG/COLUMBIA
MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME) 3 Lil Nas X
1 27
COLUMBIA
TAKE A DAYTRIP, O.FEDI, R.LENZO
(M.L.HILL, D.M.A.BAPTISTE, D.BIRAL, O.FEDI, R.LENZO)
SHIVERS Ed Sheeran
14 3
ATLANTIC
E.SHEERAN, STEVE MAC, FRED
(E.C.SHEERAN, J.MCDAID, STEVE MAC, K.LAVELLE)
15 16 15 HEAT WAVES Glass Animals
21 18
16
D.BAYLEY (D.BAYLEY)
WOLF TONE/POLYDOR/REPUBLIC
NEED TO KNOW Doja Cat
DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD)
KEMOSABE/RCA
10 13 17 GIRLS WANT GIRLS Drake Feat. Lil Baby
18
19 18
30 20 19
50 35 20
OZ, AMBEZZA (A.GRAHAM, D.A.JONES, O.YILDRIM, M.D.LIYEW)
OVO SOUND/
REPUBLIC
YOU RIGHT Doja Cat & The Weeknd
DR. LUKE (A.Z.DLAMINI, L.S.GOTTWALD, A.TESFAYE)
KEMOSABE/RCA
BEGGIN’ Maneskin
L.FABBRI (P.FARINA, B.GAUDIO)
SONY MUSIC LATIN/ARISTA
WOCKESHA Moneybagg Yo
YC, REAL RED, J.ROCKAMORE (D.D.WHITE, JR., E.B.JORDAN,
M.DEBARGE, C.PEARSON, J.D.NELSON, J.ROCKAMORE)
CMG/N-LESS/
INTERSCOPE
PEAK
POS.
WKS. ON
CHART
15 37
14 16
2 4
11 14
19 14
20 23
39 32 27
NEW 28
34 27
29
20 23 30
CHASING AFTER YOU Ryan Hurd With Maren Morris
A.ESHUIS, T.REIMER (B.ADDINGTON, J.FLOWERS)
ARISTA NASHVILLE
BAD MORNING YoungBoy Never Broke Again
DUBBA-AA, M.LAURY, THE LOTTERY
(K.MATTOX, A.LOCKHART, M.LAURY, W.G.MOSLEY JR.)
27 22
28 1
NEVER BROKE
AGAIN/ATLANTIC
La segunda
entrada Hot 100
CARBON FIBER/SONY de MUSIC la nativa
LATIN/THE ORCHARD
de Atlanta de
22 años también
alcanza GEFFEN/ un nuevo
INTERSCOPE
N° 9 en la lista de
Rap Airplay.
PEPAS Farruko
IAMCHINO, V.CARDENAS, SHARO TOWERS, K4G, GHETTO (C.E.REYES-ROSADO, F.J.MARTINEZ, M.G.PEREZ,
K.QUIROZ, A.BAUZA, A.R.QUEZADA FULGENCIO, V.A.CARDENAS OSPINA, J.M.GOMEZ, J.C.GARCIA)
DEJA VU Olivia Rodrigo
D.NIGRO (D.L.NIGRO, O.RODRIGO,
T.SWIFT, J.M.ANTONOFF, A.E.CLARK)
36 28 31 HAPPIER THAN EVER Billie Eilish
FINNEAS (B.E.O’CONNELL, F.B.O’CONNELL)
DARKROOM/INTERSCOPE
26 10
3 26
11 9
NEW 32 YOUR HEART Joyner Lucas & J. Cole 32
PALAZE, LC BEATS, HAGAN (G.M.LUCAS, ¿Cómo JR., J.COLE) surgió “Big TWENTY Energy”? NINE
1
31 33 33
Volé a Los Ángeles durante un mes
LEAVE THE DOOR OPEN 2 Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak)
BRUNO MARS, D’MILE (BRUNO MARS,
y cambié mi espacio para tener una 1 30
AFTERMATH/ATLANTIC
B.ANDERSON, D.EMILE II, C.B.BROWN)
nueva inspiración. Fui al estudio un día,
26 31 34
HURRICANE
y mis representantes Kanye de A&R West dijeron:
K.WEST, BOOGZDABEAST, M.G.DEAN, DJ KHALIL, RONNY “Tenemos J, OJIVOLTA (K.O.WEST, este A.TESFAYE, ritmo, D.A.JONES, J.GWIN, pero G.O.O.D./ no creo 6 5
K.ADBDUL-RAHMAN, R.O.SPENCE JR., M.G.DEAN, R.CUBINA, M.WILLIAMS, M.MBOGO, D.SEEFF, S.BARSH, J.MEASE) DEF JAM
que te vaya a gustar”. Lo tocaron y
me encantó. Definitivamente A-O-K me sacó de mi zona de confort. Lo Tai probé Verdes tres días
46 39 35 A.FRIEDMAN (T.J.COLON,
35 13
diferentes antes de tenerlo ARISTA
A.FRIEDMAN, en el M.T.KONIJNENBURG, bolsillo. Solo B.W.BRUNDAGE) tienes que ser paciente. La música no
siempre es una ecuación matemática mecánica, donde uno más uno es igual a dos.
Es cuestión BUTTER BTS
14 de 24 no 36 darse por vencido, con un poco de suerte.
1 19
R.GRIMALDI, S.KIRK, R.PERRY (J.ANDREWS,
R.GRIMALDI, S.KIRK, RM, A.BILOWITZ, S.GARCIA, R.PERRY)
HYBE/BIGHIT
MUSIC/COLUMBIA
¿Sabías de inmediato que ON sería MY un SIDE éxito? YoungBoy Never Broke Again
62 54 43
49 45 44
38
34 45
NO WHERE YoungBoy Never Broke Again
MEMORY I DON’T MESS WITH Lee Brice
B.GLOVER, K.JACOBS, L.BRICE (L.BRICE, B.MONTANA, B.DAVIS)
CURB
43 10
LATE AT NIGHT Roddy Ricch
20 17
ATLANTIC
MUSTARD, GYLTTRYP (R.W.MOORE, JR.,
D.I.MCFARLANE, S.R.KHAN ZAMAN KHAN)
THINGS A MAN OUGHTA KNOW Lainey Wilson
J.JOYCE (L.WILSON, J.D.SINGLETON, J.NIX)
BROKEN BOW
COLD HEART (PNAU REMIX) Elton John & Dua Lipa
98 74 46 SAL
64 44
47
63 79 48
56 53 49
- 80 50
N.LITTLEMORE, P.MAYES, S.LITTLEMORE, C.THOMAS, G.DUDGEON
(E.JOHN, B.J.P.TAUPIN, P.MAYES, N.LITTLEMORE, S.LITTLEMORE)
MERCURY/EMI/
INTERSCOPE
MEET ME AT OUR SPOT THE ANXIETY: WILLOW & Tyler Cole
W.SMITH, T.COLE (T.COLE, W.SMITH)
MSFTSMUSIC/ROC NATION
LIFE SUPPORT YoungBoy Never Broke Again
SMASH DAVID, SMPLGTWY, RAVIS, STUNNER SAMPLES
NEVER BROKE
(K.D.GAULDEN, S.D.JIMENEZ, M.SAMUELS JR., T.TATAD, M.MORA, J.GOLDBERG) AGAIN/ATLANTIC
I WAS ON A BOAT THAT DAY Old Dominion
S.MCANALLY, OLD DOMINION (M.RAMSEY, T. ROSEN,
W.SELLERS, G.SPRUNG, B.F.TURSI, S.MCANALLY, J.OSBORNE)
ARISTA
NASHVILLE
LOVE NWANTITI (AH AH AH) CKay
CKAY, TEMPOE (C.EKWEANI, A.M.CHIGOZIE)
CHOCOLATE CITY/ATLANTIC
32 20
46 4
44 3
48 3
49 13
50 2
SALES, AIRPLAY &
THE WEEK’S MOST POPULAR CURRENT SONGS ACROSS ALL GENRES, RANKED BY RADIO AIRPLAY AUDIENCE IMPRESSIONS AS MEASURED BY MRC DATA, SALES DATA AS COMPILED BY MRC DATA AND STREAMING ACTIVITY DATA BY ONLINE MUSIC SOURCES TRACKED BY MRC DATA. SONGS ARE DEFINED AS CURRENT
STREAMING DATA
IF THEY ARE NEWLY RELEASED TITLES, OR SONGS RECEIVING WIDESPREAD AIRPLAY AND/OR SALES ACTIVITY FOR THE FIRST TIME. SEE CHARTS LEGEND ON BILLBOARD.COM FOR COMPLETE RULES AND EXPLANATIONS. © 2021 BILLBOARD MEDIA LLC AND MRC DATA INC. ALL RIGHTS RESERVED.
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4 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
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6 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Contenidos
CHARTS
3 Summer Time: Walker llega al N°1
en el Billboard Hot 100.
INTRO
13 Latin Grammys 2021: Camilo brilló
en la noche latina.
ENTREVISTAS Y PERFILES
20 Damián Amato
22 Fernando Moya
24 Agustín Dusserre
28 Ally Brooke
32 Daddy Yankee
41 Karol G
42 Natti Natasha
48 Lola Índigo
60 Abraham Mateo
62 Danny Ocean
64 T1419
66 Alejandro Santamaría,
Ovy On The Drums y Adso
68 Marama
70 Fuego
72 Duran Duran
74 Natalie Pérez-Guaynaa
Lives
54 Young Blade
56 Orgasmo
58 Gary Suárez
74 Álbumes del mes
76 Bodas de Oro – 50 Años de
Álbumes Clave: Led Zeppelin IV, Led
Zeppelin
Especiales
13 Gran presentación de Billboard en
Santa Cruz de la Sierra
-
EN LA TAPA
Daddy Yankee fotografiado por
Jai Lennard
-
FOTO: SAMI DRASIN
8 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Intro
Nicki Nicole, Nathy Peluso, Cristina Aguilera y Becky G
Latin Grammys 2021
Camilo brilló en
la noche latina
Rubén Blades, Nathy Peluso, Vicentico, Andrés Calamaro y Tinto Tango fueron
reconocidos en la 22° edición de los premios.
EL SEMÁFORO
Se multiplican los shows en
vivo y el Lollapalooza AR
2022 fijó fecha de realización.
FOTO: GENTILEZA GETTY IMAGES
Un colmado mgm grand garden arena de
Las Vegas tuvo como estrellas a Camilo como el más
ganador en cuatro categorías y a Rubén Blades por el
premio a “Mejor Álbum del Año”.
Así, Camilo fue el máximo ganador de los Latin Grammy
al llevarse cuatro premios en diversos géneros musicales,
pero no logró imponerse en las categorías generales. El artista
colombiano también fue protagonista en la categoría mejor
canción tropical por “Dios así lo quiso’', que coescribió
para Ricardo Montaner y Juan Luis Guerra, y mejor álbum
vocal pop por Mis manos.
Mejor canción de rock, “Ahora 1”, y Mejor álbum de rock,
El pozo brillante, fueron los premios para Vicentico; Mejor
canción pop/rock: “Hong Kong”, distinguió a C. Tangana,
Andrés Calamaro y Jorge Drexler; y el Mejor álbum de música
alternativa, Calambre, fue para Nathy Peluso.
Gloria Estefan inauguró la ceremonia con un número
lleno de color y alegría en el que, acompañada por Anitta,
Carlinhos Brown, Laércio da Costa, Pedro Capó, Farina,
Giulia Be y Diego Torres, interpretó un medley de su éxito
“Abriendo puertas’', “Cuando hay amor’' y el clásico en portugués
“Magdalenha’'.
Y entre las actuaciones destacadas estuvo la de Nicki Nicole
y Nathy Peluso, que dieron muestras del gran momento
que atraviesan sus carreras al interpretar en vivo “Pa’ Mis
Muchachas” con Christina Aguilera y Becky G.
Camilo, por su parte, interpretó “Vida de rico’' y “Kesi’' y
en un momento bajó del escenario para cantar y bailar por
el pasillo entre el público, que le regaló una ovación al final.
Mon Laferte y Gloria Trevi interpretaron durante la ceremonia
“La mujer’', que estaba nominada a mejor canción pop,
junto a La Arrolladora Banda El Limón de René Camacho.
Las grandes giras
internacionales tuvieron que
pasar de 2021 y se acomodan
en 2022.
El rapero Young Dolph,
de 36 años, murió 17 de
noviembre en Memphis a
causa de un tiroteo.
10 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
en SANTA CRUZ DE LA SIERRA
BILLBOARD.BO
13
Noche de figuras
nacionales e internacionales
Continuando con nuestro objetivo de promover la música, el Hotel Marriot de Santa
Cruz fue la sede del evento que convocó a artistas, celebridades, promotores y
empresarios, quienes desfilaron por la alfombra roja.
POR BILLBOARD CONTENIDOS
Billboard Bolivia cumplió con su
propósito de difundir la música nacional
e internacional a través del show
de grandes artistas bolivianos entre los
que se encontraron: Gary Suárez, Lu de La Tower,
Mila Camila, Matamba, Vannesa Añez, Andrés
Barba, Las Majas, Alexandré, Midnight Dreamers
y Jacob, entre otros. Se destacó también la
oportunidad que tuvieron dos artistas cruceñas
emergentes como Fer Gómez y Mariana Massiel.
Como representación internacional estuvo presente
Dj Kane, integrante de Los Kumbia Kings,
que hizo bailar a todos los asistentes con sus éxitos
y clásicos de la música latina.
La sorpresa, y como cierre del evento, entre los
invitados estuvo el artista argentino L-Gante, que
se subió al escenario donde cantó varios de sus
éxitos e hizo al público cantar junto a él.
FOTOS: BILLBOARD BOLIVIA
14 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
BILLBOARD.BO
15
I
INDUSTRIA
Fitness a todo vapor
¡Hacé spinning con Beyoncé! ¡Sentadillas con Drake! Un año y medio después del acuerdo editorial de
Peloton que recalentó el negocio, las licencias de música de fitness-tech se están acelerando
POR TATIANA CIRISANO
don’t know about
you, but I Feel Good,”,
I canta Pitbull mientras
pedalea una bicicleta
estática Echelon en el video musical
de su pista EDM con saxofón,” I Feel
Good”. No es solo un respaldo de
producto. El video es parte de una
asociación anunciada en junio, en la
que Pitbull invirtió en la compañía de
equipos de entrenamiento en casa.
Ahora presta su nombre a un canal
en la aplicación, una bicicleta
de marca compartida y la canción,
escrita específicamente para Echelon,
que alcanzó el puesto 15 en la
lista Hot Dance / Electronic Songs
de Billboard a principios de octubre
y le dio nombre a su gira de verano
estadounidense.
No es el único artista que ha descubierto
el gusto por el fitness. Durante
el año pasado, la compañía de
tecnología del ejercicio Peloton se ha
asociado con Beyoncé y Verzuz en
clases que incorporan su música; La
empresa matriz de SoulCycle, Equinox,
ha contratado a Lorde y los Jonas
Brothers para promover sus canciones
con entrenamientos virtuales
en la plataforma Equinox +, que
permite a los usuarios guardar pistas
en Spotify; y Apple Fitness + ha atraído
a estrellas como Shawn Mendes y
Dolly Parton para narrar su serie de
audio guiada Time To Walk.
“Una vez a la semana, recibo una
llamada con otra empresa de fitness”,
dice la abogada musical Elizabeth
Moody, que trabaja en la concesión
de licencias para clientes como la
empresa de máquinas de remo en
casa Hydrow y la startup de boxeo Liteboxer.
“Necesitan hacer todo lo posible
para competir porque eso es lo
que esperan los consumidores ahora.
Y esa es una buena noticia para la industria
de la música “.
Me costó un poco llegar allí. Los
gimnasios que ofrecen clases presenciales
no necesitan más que licencias
generales de ASCAP y otras organizaciones
de derechos de interpretación,
pero ofrecer música con video
en línea casi siempre requiere una
licencia de sincronización, al igual
que el uso de música en una película
o programa de televisión. lo hace. En
2019, cuando la Asociación Nacional
de Editores de Música presentó lo
que se convertiría en una demanda
por infracción de derechos de autor
de 370 millones de dólares contra
Peloton, “asustó a mucha gente” en
el ámbito del fitness, dice el director
ejecutivo de 7digital, Paul Langworthy,
cuya empresa gestiona los derechos
musicales de los clientes. como
el Bootcamp de Barry. Sin embargo,
después de que las dos partes se establecieran
en febrero de 2020, “fue
absolutamente un factor determinante
para que la música con licencia
comercial se pusiera en forma”.
El acuerdo llevó a Peloton a firmar
acuerdos de licencia tanto con editoriales
como con sellos discográficos.
Eso ocurrió justo cuando la pandemia
del coronavirus impulsó al negocio
de fitness de US$ 100 mil millones
a volverse virtual, y las aplicaciones
conectadas que encontraron una audiencia
parecen mantenerlo a medida
que los gimnasios reabren. El negocio
de las aplicaciones de ejercicio tuvo
un valor de US$ 4.4 mil millones el
año pasado, un aumento del 53% con
respecto a 2019, según Grand View
Research, que espera que suba a US$
15.5 mil millones para 2028.
Eso podría ser un gran impulso
para el negocio de la música, porque
las empresas de aplicaciones de fitness
ahora gastan entre el 20% y el
50% de sus ingresos anuales en licencias,
según varias fuentes. Un informe
de Macquarie Research de febrero
estimó que esas empresas podrían
eventualmente gastar 300 millones de
dólares al año en música.
Peloton, y muchas otras empresas,
venden hardware y un servicio
de suscripción que ofrece clases de
video para las que necesitan licenciar
música. Muchos de ellos pagan a los
titulares de derechos al reservar un
porcentaje de los ingresos totales
para la música y luego dividirlo por
el uso agregado de la forma en que
lo hacen Spotify y otros servicios
de transmisión. (Los patrocinios y
los acuerdos de contenido de marca
requieren el permiso de los artistas).
Sin embargo, a diferencia de los servicios
de transmisión, estos ingresos
en la mayoría de los casos se dividen
de manera uniforme entre los titulares
de los derechos de grabación y
publicación, al igual que ocurre con
otros usos de video.
ILUSTRACIÓN: MIKE TOFANELLI
16 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
The Hot 100’s
GREATEST OF ALL TIME
1958-2021
The Weeknd fotografiado
por Brian Ziff el 28
de octubre en Hubble
Studios en Los Ángeles.
The Weeknd photographed
by Brian Ziff 18 on BILLBOARD Oct. 28 at BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Hubble 56 Studios in Los Angeles.
BILLBOARD.COM NOVEMBER 20, 2021
FOTO: BRIAN ZIFF PARA BILLBOARD
TB
linding HE WEEKND’S l ights” “BLINDING por the LIGHTS” weeknd shines brilla brightest entre los among casi
30.000 the nearly títulos 30,000 que han titles aparecido to ever appear en el Billboard on the Billboard Hot 100 durante
Hot 100
los 63
over
años
the
de
chart’s
historia
63-year
del chart.
history.
La canción, lanzada
The song, released in November 2019, is the newly
en noviembre de 2019, se ha coronado como la N° 1 en el resumen
de las 100 mejores de todos los tiempos de Billboard,
crowned No. 1 on Billboard’s Greatest of All Time Hot 100
recap, having logged a record-shattering run on the chart.
After
habiendo
topping
registrado
the Hot
una
100
carrera
for four
récord
weeks
en
in
la
April
lista.
and May 2020, it went on
to set Después new highs de encabezar for the most el Hot weeks 100 spent durante in the cuatro top semanas five (43), en top abril 10 (57), y mayo
top de 2020, 40 (86) pasó and a on establecer the chart nuevos overall máximos (90). durante la mayor cantidad de
semanas The single manteniéndose succeeds Chubby entre Checker’s los cinco primeros classic “The (43), Twist” los 10 as primeros the (57),
chart’s los 40 primeros No. 1 hit, with (86) y the en latter tabla having en general. topped (90). the Hot 100 for one week in
September El sencillo 1960 sucede and again al clásico for two de Chubby in January Checker, 1962. “The Twist”, como el éxito
número “Blinding uno Lights” de la lista, one y este of three último songs superó to peak el Hot in the 1002020s durante on una the semana
Greatest en septiembre of All Time de 1960 Hot y 100, nuevamente with Dua durante Lipa’s “Levitating” dos en enero and de 1962. 24kGoldn’s
“Mood” “Blinding (featuring Lights” iann es una dior) de at las Nos. tres 32 canciones and 49, respectively. que alcanzaron su punto
máximo Meanwhile, en la década thanks to de hits 2020 in en 2017-19 el Greatest (at Nos. of 19, All 75 Time and Hot 97), 100, Post con Malone “Levitating”
the de Bee Dua Gees, Lipa Boyz y “Mood” II Men de and 24kGoldn Paul McCartney/Wings (con iann dior) en as the los only números
joins
acts with as many as three entries each on the chart.
—GARY TRUST
32 y 49, respectivamente. —GARY TRUST
POSITION Song Artist PEAK YEAR
1 Blinding Lights The Weeknd 2020
2 The Twist Chubby Checker 1960
3 Smooth Santana feat. Rob Thomas 1999
4 Mack The Knife Bobby Darin 1959
5 Uptown Funk! Mark Ronson feat. Bruno Mars 2015
6 How Do I Live LeAnn Rimes 1997
7 Party Rock Anthem LMFAO feat. Lauren Bennett & GoonRock 2011
8 I Gotta Feeling The Black Eyed Peas 2009
9 Macarena (Bayside Boys Mix) Los Del Rio 1996
10 Shape Of You Ed Sheeran 2017
11 Physical Olivia Newton-John 1981
12 You Light Up My Life Debby Boone 1977
13 Hey Jude The Beatles 1968
14 Closer The Chainsmokers feat. Halsey 2016
15 We Belong Together Mariah Carey 2005
16 Un-Break My Heart Toni Braxton 1996
17 Yeah! Usher feat. Lil Jon & Ludacris 2004
18 Bette Davis Eyes Kim Carnes 1981
19 Circles Post Malone 2019
20 Endless Love Diana Ross & Lionel Richie 1981
21 Tonight’s The Night (Gonna Be Alright) Rod Stewart 1976
22 You Were Meant For Me/Foolish Games Jewel 1997
23 (Everything I Do) I Do It For You Bryan Adams 1991
24 I’ll Make Love To You Boyz II Men 1994
25 The Theme From “A Summer Place” Percy Faith And His Orchestra 1960
26 Le Freak Chic 1978
27 How Deep Is Your Love Bee Gees 1977
28 Eye Of The Tiger Survivor 1982
29 We Found Love Rihanna feat. Calvin Harris 2011
30 Girls Like You Maroon 5 feat. Cardi B 2018
31 Low Flo Rida feat. T-Pain 2008
32 Levitating Dua Lipa 2021
33 I Just Want To Be Your Everything Andy Gibb 1977
34 Too Close Next 1998
35 Every Breath You Take The Police 1983
36 Somebody That I Used To Know Gotye feat. Kimbra 2012
37 Despacito Luis Fonsi & Daddy Yankee feat. Justin Bieber 2017
38 Flashdance...What A Feeling Irene Cara 1983
39 Rolling In The Deep Adele 2011
40 Tossin’ And Turnin’ Bobby Lewis 1961
41 Old Town Road Lil Nas X feat. Billy Ray Cyrus 2019
POSITION Song Artist PEAK YEAR
42 The Battle Of New Orleans Johnny Horton 1959
43 One Sweet Day Mariah Carey & Boyz II Men 1995
44 Truly Madly Deeply Savage Garden 1998
45 Silly Love Songs Wings 1976
46 Let’s Get It On Marvin Gaye 1973
47 Night Fever Bee Gees 1978
48 Another One Bites The Dust Queen 1980
49 Mood 24kGoldn feat. iann dior 2020
50 Say Say Say Paul McCartney & Michael Jackson 1983
51 How You Remind Me Nickelback 2001
52 Tie A Yellow Ribbon Round The Ole Oak Tree Dawn feat. Tony Orlando 1973
53 It’s All In The Game Tommy Edwards 1958
54 I Want To Hold Your Hand The Beatles 1964
55 Shadow Dancing Andy Gibb 1978
56 Call Me Maybe Carly Rae Jepsen 2012
57 Blurred Lines Robin Thicke feat. T.I. + Pharrell 2013
58 Candle In The Wind 1997/Something About The Way You Look Tonight Elton John 1997
59 No One Alicia Keys 2007
60 I Will Always Love You Whitney Houston 1992
61 End Of The Road Boyz II Men 1992
62 Perfect Ed Sheeran 2017
63 Boom Boom Pow The Black Eyed Peas 2009
64 Call Me Blondie 1980
65 Let Me Love You Mario 2005
66 Stayin’ Alive Bee Gees 1978
67 Lady Kenny Rogers 1980
68 TiK ToK Ke$ha 2010
69 I’m A Believer The Monkees 1966
70 Gold Digger Kanye West feat. Jamie Foxx 2005
71 Apologize Timbaland feat. OneRepublic 2007
72 The Sign Ace Of Base 1994
73 Centerfold The J. Geils Band 1982
74 All About That Bass Meghan Trainor 2014
75 Sunflower (Spider-Man: Into The Spider-Verse) Post Malone & Swae Lee 2019
76 (Just Like) Starting Over John Lennon 1980
77 Royals Lorde 2013
78 The Boy Is Mine Brandy & Monica 1998
79 Because I Love You (The Postman Song) Stevie B 1990
80 I Love Rock ’N Roll Joan Jett & The Blackhearts 1982
81 Aquarius/Let The Sunshine In The 5th Dimension 1969
82 Whoomp! (There It Is) Tag Team 1993
83 God’s Plan Drake 2018
84 Moves Like Jagger Maroon 5 feat. Christina Aguilera 2011
85 Ebony And Ivory Paul McCartney & Stevie Wonder 1982
86 Rush Rush Paula Abdul 1992
87 That’s What Friends Are For Dionne & Friends 1986
88 Happy Pharrell Williams 2014
89 Upside Down Diana Ross 1980
90 Sugar, Sugar The Archies 1969
91 Just The Way You Are Bruno Mars 2010
92 Dilemma Nelly feat. Kelly Rowland 2002
93 I Heard It Through The Grapevine Marvin Gaye 1968
94 You’re Still The One Shania Twain 1998
95 Billie Jean Michael Jackson 1983
96 Hot Stuff Donna Summer 1979
97 Rockstar Post Malone feat. 21 Savage 2017
98 Gangsta’s Paradise Coolio feat. L.V. 1995
99 Abracadabra The Steve Miller Band 1982
100 You’re So Vain Carly Simon 1973
Legend The Greatest of All Time Billboard Hot 100 songs chart is based on actual performance on the weekly Hot 100 from its Aug. 4, 1958, launch through the Nov. 6, 2021-dated chart. Songs are ranked based on an inverse point system, with weeks at No. 1 earning
the greatest value and weeks at No. 100 earning the least. Due to changes in chart methodology over the years, eras are weighted differently to account for chart turnover rates during various periods.
NOVEMBER 20, 2021
BILLBOARD.COM
BILLBOARD.BO
19
5 7
POWER PLAYERS
DAMIÁN AMATO
“La música latina llegó para
quedarse a nivel global”
El Managing Director de Sony Music Entertainment para Cono Sur destaca el panorama de la
industria con el auge de las redes sociales y la generosidad que se respira en la escena.
a ebullición de las
redes sociales, la pandemia
y la vorágine de la
L
industria de la música
en la actualidad son algunos de los
factores que hicieron que la industria
evolucione. Damián Amato, líder
de Sony Music Sur, es uno de los
profesionales con mayor protagonis-
POR SANTIAGO TORRES
mo en el diseño de ese juego. Codo
a codo de los artistas más importantes
del país y la región, destaca: "Si le
puse la pasión que tenía que tener,
voy a estar contento. Si los resultados
me acompañan, mejor. Uno no
tiene el control sobre la gente y en
la industria de hoy cada vez más la
gente es quien manda".
¿Qué evaluación hacés de
este momento?
Fue muy complicado todo lo que
vino pasando. Hace un año y medio
la dinámica cambió. Me parece que
el futuro va a ser diferente, no creo
que sea igual a como estábamos antes
de la pandemia, veremos cómo
evoluciona.
¿Es cierto que uno de los
grandes ganadores dentro
de todo lo malo fueron las
discográficas?
Considero que si hay algo de verdad,
es que es un gran momento
para el streaming en sí. Tuvo
un gran crecimiento y va a crecer
mucho más. Los productores de
contenido también crecieron con
el crecimiento del streaming. La
industria sí, a pesar de que a comienzos
de la pandemia el miedo
era la caída de suscriptores, creo
que se sostuvo, se incrementó,
creció el consumo de música
también y cambió la dinámica. Al
no poder salir de gira, hubo una
mayor cantidad de lanzamientos y
más contenido. La demanda de la
FOTO: TUTE DELACROIX
20 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
gente con más tiempo en las casas
por no poder salir con normalidad
provocó una oferta de música, películas
y libros. El arte y entretenimiento
para venta de contenidos
en streaming se vieron fortalecidos,
no así los artistas y sus equipos
en lo que al negocio del Live
entertainment se refiere y eso fue
un impacto muy grande.
¿Notás una nueva generación
de ejecutivos?
Que la industria vuelva a tener
un crecimiento y haya pasado los
momentos más difíciles - piratería
y todo lo complicado del formato
físico - provocó que haya más ejecutivos
y más cuadros con mucho
potencial a futuro, sin duda.
¿Te colgás la medalla de
que fuiste el último Artists
and Repertoire (A&R) de la
última década?
No, para arrancar, yo no me siento
un A&R. Me considero un ejecutivo
de compañía con mucha experiencia
y buen vínculo con los artistas. A&R
no soy, nunca lo fui. Lo agradezco
un montón, pero no me puedo colgar
esa medalla. A&R es mi jefe, un
profesional enorme. Yo siento que
hoy cualquier persona que pueda
tener un olfato y sentir la música,
tiene algo de un A&R. Creo que lo
que pasó acá en la última década es
que como compañía hemos apostado
a los talentos y seguimos apostando.
Hemos firmado a muchísimos artistas
nuevos, seguimos firmando. Ayer
firmé a un chico muy joven también.
Creo que es parte del juego, de lo que
tenemos que hacer, es mi trabajo.
¿Creés que hay demasiados
lanzamientos?
Hay que partir de que no podemos
cambiar el mundo. Estratégicamente
le podemos decir a un artista “esperá
un poco para sacar tal canción porque
tenés una canción que todavía
funciona muy bien”, por ejemplo.
Pero la dinámica hoy cambió, uno
no puede ir contra la tendencia porque
lamentablemente te lleva puesto.
La tendencia es que el contenido
vaya saliendo en una dinámica mucho
más rápida que dos años atrás,
antes de la pandemia. Es muy difícil
para todos, para los artistas, para mí,
desandar ese camino.
Creo que la pos pandemia - que
ya estamos empezando a vivir - va a
ser muy distinta a la pandemia y la
previa. El camino va a ser otro, esto
es hacer futurología, pero creo que
van a convivir más los ciclos. El lanzamiento
(que un artista saque un
tema, otro, el disco), el vivo (se iba
de gira y no tiraba mucho contenido
porque no tiene tiempo). Mi visión
es que se viene un modelo híbrido.
Creo que durante el ciclo del vivo, se
van a ir lanzando nuevas canciones
enriqueciendo ese vivo, por ejemplo.
Todo va a terminar siendo un
círculo virtuoso desde el punto de
vista de negocios, tanto para la compañía
como el artista. Pero con una
dinámica mucho más rápida a la que
veníamos antes de la pandemia.
¿Cómo ves el futuro de la
electrónica con el regreso
de las fiestas?
La electrónica para mí está siempre,
no siento que haya perdido vigencia.
Tal vez, nosotros en Argentina
tuvimos situaciones complicadas
puntuales que generaron que no
haya tanto escenario, en determinadas
fiestas. Pero está presente en el
mundo, en los festivales. Creo que se
retrajo el consumo por estas situaciones
puntuales, pero no creo que
impida que vuelva.
¿Creés que perdió lugar
con el auge de la música
latina?
Puede ser, pero ahí pasa a ser algo
circunstancial. Siento que la música
latina llegó para quedarse en el
mundo de la globalización. No es
que se puso de moda. Creo que está
teniendo un momento muy importante,
sí. Tampoco se fue Calvin Harris
o la electrónica, vas a Las Vegas
o a Tomorrowland y las entradas
para las fiestas esta agotadas siempre
mas allá de su alto valor. Hay que
saber diferenciar algo que está creciendo
- la música latina - de algo
que haya venido a reemplazar otra
cosa. Va a seguir estando.
Dicen que la gran diferencia
de esta generación con
las anteriores es no solo la
velocidad para llegar a la
popularidad, sino también
para ganar dinero…
Creo que son distintos los tiempos.
Quizá muchos de estos artistas
pueden ganar por streams y no por
shows; y quizá los íconos ganan más
por los shows. Pero son momentos.
En algún momento, siento que más
tarde o más temprano va a haber
más gente escuchando música por
Spotify, YouTube. En la medida en
que esa gente esté incorporada en las
plataformas, también va a haber una
mayor escucha de la música más
contemporánea a nosotros. También
va a suceder que muchos de estos
artistas más fuertes en las plataformas
y no tanto en los vivos generen
un crecimiento en los vivos y se empareje
la relación. Desde mi opinion,
es un tema de tiempos.
¿Celebrás el market-share
y el éxito?
Sin duda uno celebra. Uno dedica
pasión y emoción al trabajo y que
los resultados se den da mucha alegría.
Es importante lograr los objetivos,
pero uno no siempre puede
pensar que se van a dar. Uno hace lo
mejor para que los resultados se den
y si se logran buenísimo, sino hay
que aprender a corregir errores para
volver a la senda de meter más goles.
Streams, nominaciones,
market share, ¿el semáforo
cuál es?
No es un semáforo. No mediría el
market share de un año a otro, hay
que ver si tuviste lanzamientos, o no.
Hay que estar pendiente, pero no es
el único y máximo indicador. Es un
todo. Lo más importante al evaluarme
es que lo hago más por el grado
de pasión que le puse a mi trabajo. Si
le puse la pasión que tenía que tener,
voy a estar contento. Si los resultados
me acompañan, mejor. A veces
sale bien, a veces no, pero son cosas
que pasan. Uno no tiene el control
sobre la gente y en la industria de
hoy, cada vez más, la gente es quien
manda. La que hace click si una canción
le gusta o no. La gente se conecta
con el artista o no. Si no conecta,
no es culpa de nadie, hay que buscar
cosas distintas o ver si nos equivocamos
en el proceso de comunicación
de esa obra o esa canción.
¿Cerca de los 15 años nos
definimos musicalmente?
No sé. No siento que haya una fórmula.
Siento que la adolescencia se
caracteriza por ser un período de
rebeldía, crecimiento, dolor, corte,
adolece el crecimiento. Cada generación
fue abrazando ciertos artistas
y géneros. Mi generación abrazó a
Sex Pistols, Los Ramones, The Clash.
Hoy por hoy, siento que el trap ocupó
ese lugar. Muchas veces lo he
hablado con Neo Pistea, que le digo
que es el más punk de todos. Es un
tema de actitud. Por eso lo veo desde
ese lugar. No sé si la hipótesis es correcta
o no, me parece súper válida.
Siento que cada generación abraza
determinados géneros, han pasado
otros artistas y géneros que han tenido
ese impulso.
¿Dónde está el rock?
Creo que la pandemia puso pausa a
un proceso que venía apareciendo en
Argentina. Había muchísimas bandas
de rock nuevas, de chicos muy jóvenes
con mucho potencial. La ausencia del
vivo puso una pequeña pausa, pero no
tengo dudas que el crecimiento se va a
dar. Para mí, Conociendo Rusia es la
banda de rock nueva con más peso.
¿Tiene que ver el auge de
los solistas con la disminución
de bandas?
Es diferente, pero como también
es diferente el estilo de música que
elijas. No es lo mismo componer
canciones, que hacerlo con la bajada
de línea específica llena de contenido
ideológico del rock. El rock
siempre tuvo un carácter ideológico
muy potente, al no tener un vivo
eso se pierde. Sin el vivo es difícil de
imaginar un crecimiento porque la
conexión de las bandas o los solistas
con banda se da ahí.
BILLBOARD.BO
21
POWER PLAYERS
FERNANDO MOYA
22 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
INDUSTRIA
I
Fernando Moya
“Los NFT acercarán a los artistas
con el público de una manera
nunca antes vista”
POR SANTIAGO TORRES
FOTO: TUTE DELACROIX
l fundador, presidente
y CEO de Ozono
E Producciones es uno
de los productores más
representativos del país, por su trabajo
en la organización de festivales,
shows, giras, y ser manager de artistas
icónicos como Fito Páez.
A lo largo de su carrera, Fernando
Moya organizó más de una
decena de Creamfields, además de
los recitales de Paul McCartney o
los Rollings Stones, y desempeñó su
papel de manager de artistas como
Charly García, Andrés Calamaro,
Divididos y Mercedes Sosa. También
fue el encargado de manejar
la gira de Natalia Oreiro, con quien
recuerda haber visitado países como
Ucrania, República Checa o Rusia a
lo largo de los años.
Hoy, su empresa está dedicada a
la creación, producción y comercialización
de experiencias en vivo con
formato de exportación y a la producción
de eventos internacionales.
¿Dónde comienza tu
camino?
Si vamos bien atrás podemos encontrarnos
con los principios de la
radio Rock & Pop. Fui parte de ese
proyecto con una oficina de managers
de artistas nacionales primero e
internacionales un tiempo después.
Ahí aprendí el negocio.
¿Cómo viviste la evolución
del mundo analógico a la
digitalización actual?
Son dos caminos pero claramente el
que está hoy es el mundo digital. El
analógico va a aguantar como lo hizo
el vinilo o el papel, pero el mundo
que va a evolucionar es el digital. A
partir de ahora y en los próximos
años se van a sentir las consolidaciones
del mundo digital, donde el planeta
en sí será mucho más distinto a
tal y cómo lo conocemos.
¿Qué recordás de los lanzamientos
de proyectos
.com y las redes sociales?
La verdad es que generó un gran
impacto en mi trabajo. Empecé a
hacer Fuerza Bruta en 2004 y lo que
sucedió en esos años es el paso del
show de la Argentina a Londres de
una forma realmente rápida con la
visualización en lo que en ese momento
era Facebook. Me encontré
sin quererlo con un show que se difundió
en todo el mundo, y no tenía
una estrategia preparada para ello.
Pusimos el foco en Londres y Nueva
York, pero junto a eso crecieron las
redes y el show explotó. Lo que antes
uno tenía que explicarle a un chino,
polaco, ruso, americano… Las redes
lo hicieron más fácil y rápido.
¿Cómo vivieron la gira de
TINI por Europa y Argentina
con Violetta?
Solamente en el Rex vendió 77 espectáculos,
fueron más de 210 mil
entradas. No había pasado por esa
experiencia nunca. Los 10 Rex de
Fito con Amor Después del Amor,
los 8 shows de Soda Stéreo, 10 o 12
de Charly… Reservamos 40 fechas
en el Rex y la organización pensaba
que estábamos locos. Al final dobló
por completo lo esperado.
¿Te sorprendió en ese momento
su éxito?
La verdad que no, por la llegada
al público tremenda que tenía con
Violetta. Para mí fue la artista que
más tickets vendió en la Argentina.
¿Por qué crees que los
shows en vivo lograron
tantos sold outs y ventas
luego de la pandemia?
Hay algo que el vivo tiene y hay que
cuidar. El vivo constante desgasta de
alguna forma con el paso del tiempo.
La teoría de saber guardarse y
trabajar en diferentes ámbitos es la
mejor opción. Me parece que la nueva
camada de músicos argentinos
está mucho más internacionalizado
que los artistas de los 90’. Esos chicos
tienen la posibilidad de probar
otros mercados y no estar explotando
tanto el cupo en el país. Por supuesto
además que depende mucho
de los artistas y cómo éstos regulan
su cuota de contacto con el público.
¿Dónde está el quiebre en
la internacionalización de
la música en español?
Creo que el quiebre está en Spotify.
En la radio decide el programador
qué es lo que suena y lo que no, pero
en Spotify es el público quien se encarga.
Me parece que ayudó muchísimo
al crossover de los idiomas no
estandarizados como el inglés. siento
que aplanó el mundo de cierta forma.
¿Qué es Buenos Aires en
relación a shows y calidad?
La diferencia más grande de Buenos
Aires con respecto al mundo es
que tiene público joven, crossover
y no se dinamitaron los ídolos. Han
habido conciertos de Rolling Stone
en otros países que terminan siendo
aburridos por la gente que los va a
ver, no por el show en sí.
¿Crees que los NFT son
el futuro en la industria
musical?
Estoy seguro de que acercarán al
artista con el público de una manera
nunca antes vista. La gran diferencia
con comprar discos es que
antes uno compraba el soporte de
la canción, pero con los NFT uno
va a compartir los derechos con el
propio autor, hecho que marca la
posibilidad de generar beneficio
con las regalías si entra en Spotify y
demás plataformas.
¿Qué sería lo más inteligente
para un artista hoy
en día?
Desde el managment, uno puede
aportar para que el artista haga su
trabajo lo mejor posible. Como artista,
no estás buscando constantemente
quién es el mejor productor
o con quién podría presentar algo,
sino que ahí entra el management.
Acá había una construcción a la antigua
y eso cambió, sin duda.
¿La industria se volvió más
colaborativa?
Está más abierta. Uno le da participación
a personas que quizás antes
no estaban o que antes no se interesaban
en ello. La fuerza que tomó el
negocio discográfico también es un
factor fundamental en este aumento
de demanda. Con “fuerza” me
refiero a las ventas y a los números
que genera.
¿Alguna vez habías visto
que un artista con pocos
años de carrera llegue al número
uno en popularidad?
Para nada, es un hecho totalmente
nuevo. Tienen una velocidad de
comunicación y de traspaso muy
importante.
¿Por qué no lo logran los
artistas que ya tenían éxito
anteriormente?
Les cuesta traspasar a otros países
y otras sociedades, y eso tiene que
ver con la composición. Están muy
arraigados a la música argentina y
los chicos de la nueva generación
están incluidos dentro del hip-hop,
el trap, el reggaetón… Y eso se está
haciendo en todos lados.
BILLBOARD.BO
23
FOTÓGRAFOS
Agustín Dusserre
Música en imágenes
A LO LARGO DE SU CARRERA HA FOTOGRAFIADO A GRANDES ARTISTAS Y BANDAS COMO
METALLICA, NOEL GALLAGHER, LOS FABULOSOS CADILLACS, MICK JAGGER O LENNY KRAVITZ EN
ALGUNOS DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES A NIVEL GLOBAL
POR BILLBOARD CONTENIDOS · FOTOS: AGUSTÍN DUSSERRE
RETRATO DE AGUSTÍN DUSSERRE: MARTÍN BONETTO
Agustín dusserre trabaja
hoy como fotógrafo
en Rolling Stone Argentina,
y cuando se le consulta
sobre sus bandas favoritas con
las que trabajó no duda: “Una de
mis favoritas desde mi adolescencia
es Los Fabulosos Cadillacs. También
tuve la oportunidad de trabajar con
otro de mis artistas más admirados,
Noel Gallagher. Otros fueron los
Pixies, trabajé con ellos durante una
semana en la gira que incluyó los
Lollapalooza de Chile y Argentina
del 2014, para la revista Mojo del
Reino Unido. De los artistas a los
que fotografié, mis favoritos fueron
Los Rolling Stones, Radiohead, Blur,
Liam, Arctic Monkeys, Pulp, Charly
García, Illya Kuriaky y Babasónicos…
y siempre, a mis sempiternos
Mimi Maura y a Sergio Rotman, en
cualquier cosa que hagan. Fueron
los dos primeros que confiaron en
mi ojo”, señala.
¿Cuál es tu mejor foto?
Mi registro del momento en que
Jack White invitó a Robert Plant al
escenario para cantar “The Lemon
Song” en el Lollapalooza 2015. Esa
toma se transformó en la primera
fotografía de Rolling Stone Argentina
en ser publicada por la edición
estadounidense de la revista. Me
hizo entender el poder de la foto,
cómo puede llegar a lugares inesperados.
Además, me encanta la com-
plicidad y felicidad genuina que se
les ve a los dos.
¿Qué fotógrafos te inspiran?
Jim Marshall, Annie Leibovitz,
Jill Furmanovsky (fotógrafa que
acompañó a Oasis en sus años de
crecimiento, incluyendo el histórico
show de Knebworth en 1996),
Danny Clinch. De acá, me inspiran
Aspix, Nora Lezano, Andy Cherniavsky
y mis amigos Nacho Arnedo,
Martín Bonetto y Guido Adler.
¿A quién te falta sacarle una
foto?
Pienso en los imposibles, los que
ya no están o bandas que están separadas,
que cuando veo fotos de
ellos sueño con haber estado allí
y poder haberlos registrado a mi
manera: Bob Marley, Janis Joplin,
Jimi Hendrix, Johnny Cash, Miles
Davis. Beastie Boys, REM, Madness,
The Black Crowes, The Stone Roses,
Guns n´ Roses de los 90´s. Oasis,
Amy Winehouse y Gustavo Cerati.
¿Cuáles son las cámaras y equipos
que más usaste?
Actualmente uso una Nikon D750
como primera cámara, y una Nikon
D700 como backup, ambas de formato
completo. Mis lentes favoritos
y que llevo conmigo a todos los
shows son Tokina 16-28mm; Nikkor
24-70mm, Nikkor 70-200mm. Todos
f2.8.
24 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
¿El futuro de la fotografía
incluye video o movimiento?
¿Cómo analizás la evolución de
la profesión?
Creo que si la fotografía tuviese
movimiento, ya dejaría de ser una
fotografía percé y sería un video. Es
decir que son cosas diferentes y está
bien que así lo sea. Lo que sí aprecio
mucho es cuando una fotografía fija
da la sensación de movimiento. Que
sea tan perfecta que te haga sentir
el movimiento que se captó en esa
parte de segundo. En cuanto a nuestra
profesión, siento que cada vez se
valora menos todo lo que implica
lograr una buena fotografía de la
manera en que la hacemos. Cada vez
que no se reconoce un crédito o que
se intenta evitar un presupuesto, se
está atentando contra nuestro arte.
Más allá de esta mirada negativa al
respecto, creo que el avance tecnológico
hace que la fotografía tenga una
popularidad que nunca ha tenido en
la historia, donde en cada casa hay
una cámara al alcance de la mano y
donde se pueden registrar todos los
momentos cotidianos. Quien realmente
esté interesado en la fotografía,
hoy tiene muchas más oportunidades
para ejercer esta hermosa
profesión. Más allá de los equipos,
es muy sencillo seguir la obra de los
fotógrafos referentes de cada uno, y
eso es una motivación continua.
Qué tiene que tener un fotógrafo
para destacarse?
Amor por la fotografía y por el tipo
de fotografía que realiza. Así fue
como funcionó para mí. Siempre
hice esto con mucho amor, y me especialicé
en shows de música porque
ir a shows era mi pasatiempo favorito.
Luego, es importante hacer esto
con el profesionalismo que requiere.
Particularmente en la fotografía de
recitales: confiar en el instinto propio,
estar preparados para acotar
el margen de sorpresa y disfrutar
mucho lo que hacemos. Todo eso
hace que toda nuestra pasión y la del
artista fotografiado se refleje en la
obra final.
BILLBOARD.BO
25
I
INDUSTRIA
Festivales versus giras
A medida que el negocio de los conciertos intenta reaparecer, los grandes festivales
al aire libre se agotan mientras que las giras de grandes artistas se retrasan.
POR DAVE BROOKS
Bottlerock ha hecho
que “tocar hasta que
son desconectados” un
rito de iniciación en su
festival anual de Napa, California,
donde el evento es a las 22hs y el toque
de queda se hace cumplir con un
interruptor de apagado. La pérdida
repentina de sonido amplificado puede
ser discordante, pero cuando la
multitud interviene para cerrar una
canción, como lo hizo durante el set
de Guns N 'Roses de este año, que incluyó
al invitado especial Dave Grohl,
gritando juntos: "Oh, please take
me ho-ome ”, el inevitable video viral
debería haber sido la comercialización
del oro para la venta de entradas
para la gira principal de la banda.
En 2021, el cierre de alta energía
puede haber servido como un refuerzo
de confianza para la banda de
hard-rock, que recientemente hizo
su regreso pos pandémico a la carretera
para tocar en 25 shows pospuestos
de su gira de 2020, así como en
14 nuevos conciertos en 2021.
La última gran serie de conciertos
del acto fue Not in This Lifetime
Tour, que ganó US$ 500 millones a
partir de la primavera de 2016 y se
convirtió en la cuarta más taquillera
de la historia, según Billboard
Boxscore. Sin embargo, desde que se
reinició el negocio de los conciertos,
está teniendo más dificultades para
lograr que los fans se presenten. En
promedio, el 10% de las personas que
en 2019 y 2020 compraron entradas
para ver Guns N 'Roses en estos espectáculos
no se han presentado a los
conciertos reprogramados de 2021, y
las actuaciones de la banda previstas
para finales de este año en México y
Europa han sido retrasado hasta 2022
en medio de preocupaciones sobre
las débiles ventas sin cita previa.
Al menos Guns N ’Roses está en
buena compañía. Este otoño, los
Eagles, Billy Joel, George Strait, Zac
Brown Band y James Taylor han visto
tasas de no presentación de hasta
el 25% en algunas actuaciones. Los
ejecutivos de la industria culpan a
los temores persistentes sobre la propagación
de COVID-19 en lugares
cerrados, incluso entre aquellos que
están vacunados, así como a la competencia
con una avalancha de otros
conciertos, festivales y eventos de
destino. Para los espectáculos que se
han agotado, los ingresos por entradas
no son una preocupación, pero
esto significa menos personas en los
asientos, así como ventas más débiles
de alimentos, bebidas y mercancías,
además de un golpe en la capacidad
de los reservadores y promotores
para planificar con anticipación.
Los festivales como BottleRock,
que según los funcionarios de la
compañía se agotaron "en cuestión
de minutos" este año, son un punto
brillante en el negocio de la música
después de la pandemia, y la asistencia
a la mayoría de estos eventos aumenta
con respecto a sus niveles de
2019, según Live Nation. informe de
ganancias más reciente. Una razón:
los festivales al aire libre se perciben
como más seguros que los espectáculos
en interiores. También proporcionan
un valor mucho mejor. “Los
fanáticos pueden ver muchos más
actos en un festival por el mismo
precio que pagarían por asistir a una
gira de grandes titulares”, dice Bobby
Dee, productor del festival Once
Upon a Time in LA. El evento de diciembre,
que presenta a Snoop Dogg,
The Game y Al Green, se agotó en
menos de 24 horas. “Están saliendo
[durante] la pandemia y tomando
la decisión de que no quieren pasar
dos horas viendo a un artista tocar
su set y encore. Quieren la libertad
de recorrer el evento y organizar su
propia experiencia ".
Eso está haciendo que los artistas
reconsideren sus planes de gira
para el próximo año y más allá. En
la mayoría de los casos, los conciertos
de titulares tradicionales pagan a
los artistas un mínimo garantizado,
después de lo cual los ingresos por
entradas se dividen con el promotor,
lo que significa que ambas partes
comparten el riesgo. En cambio, los
festivales ofrecen a los actos un pago
fijo, independientemente de las ventas.
Eso es atractivo para los agentes
de reservas, que podrían preocuparse
por exponer a sus clientes a mayores
riesgos a medida que se reabre el
negocio de los conciertos.
También les da a algunos festivales
la oportunidad de contratar artistas
como Stevie Nicks, quien fue contratado
para actuar en BottleRock.
También puede significar pagar
enormes tarifas para contratar a los
talentos principales que podrían no
traer el tipo de venta de boletos que
esperaban los organizadores.
FOTO: CHRIS TUITE
26 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
ALLY BROOKE
“ Estoy regresando
a mis raíces”
Iniciando su nueva era musical,
la artista multiplatino Ally Brooke
presentó el primer sencillo en español
de su nuevo álbum, Mi Música.
POR SANTIAGO TORRES
Este lanzamiento marca su debut
bajo el nuevo acuerdo discográfico que
firmó con Duars Entertainment y AMSI
Entertainment. El video fue dirigido por
Jack Nine Films y filmado en Universal Studios
en Orlando y cuenta la historia de una joven cuyo
espíritu se libera únicamente por la música.
En celebración del Mes de la Herencia Hispana,
Ally presentó nueva música en español con una
actuación exclusiva durante la Semana de la Música
Latina Billboard en Miami, FL, junto a Rauw
Alejandro y Eix. Además, estrenó una versión
especial de “Game of Love” en la transmisión de
PBS de la edición 34 de los Premios de la Herencia
Hispana, como parte de un homenaje en honor
al legendario Santana, y aparece en un nuevo
episodio de “Cultura Clash” de Billboard.
¿Por qué en español, Ally?
Esta soy yo regresando a mis raíces. Tengo muchas
canciones en español recientemente, en especial
como artista solista. En este momento me
llegó una oportunidad muy buena para que vuelva
a conectarme completamente con mi pasado,
algo que siempre quise. Estoy realmente orgullosa
de poder presentar incluso un álbum en español.
¿Por qué crees que la música latina se
está escuchando finalmente en Asia y
Estados Unidos?
Creo que es increíble. Dije por mucho tiempo que
nuestros escritores, músicos y artistas son realmente
talentosos. Ellos están dando música real
y mostrando su arte por todo el mundo, y que
sea escuchado y respetado es algo realmente hermoso.
La gente está mucho más abierta de mente
también así que ello ayuda un montón. Siempre
hemos estado aquí y llegó el momento de que la
gente nos ame.
¿Cómo y por qué elegiste a tus productores?
King Mora es parte de mi discográfica y es un
gran escritor y compositor, formó parte de mi
álbum. Trabajé con Geofred en “Mi Música”
porque esta canción es mi alma, es exactamente
quien soy yo y el mensaje habla de que si te tengo
a ti no necesito a más nadie. Era un mensaje
que quería compartir con mi familia, mis fans,
Dios… Es un mensaje hermoso y estoy orgullosa
de este momento en mi carrera, por lo que
le agradezco a Geofred por poder ayudarme a
transmitir ese mensaje.
¿Cómo viviste el reencuentro con el
público y tus colegas en la Latin Music
Week?
Fue increíble, esa semana tuve la oportunidad
de presentarme por primera vez después de la
pandemia frente a una gran cantidad de público.
Fue algo realmente especial porque también pude
encontrarme con mis amigos, colegas y grandes
artistas. Había una energía muy linda y me puse
muy feliz al darme cuenta de que amaron lo que
hacía y me aceptaron, algo que significa mucho
para mí.
¿Cómo están organizando las giras y
los conciertos?
Mi equipo y yo estamos manteniendo grandes
conversaciones sobre mis futuros shows y estoy
súper emocionada. “Mi Música” es la intro o el
opening de este camino, es la primera canción del
álbum y creo que hay un par de shows ya previstos
que estoy ansiosa por confirmar.
¿Cuál es la diferencia entre la Ally de
“Vámonos” y la de “Mi Música”?
“Vámonos” fue mi primera canción como artista
solista allá por el 2018. La Ally que soy ahora es muy
diferente, siento que soy mucho más segura sobre
quién soy, sobre qué quiero cantar, con qué estoy
conforme y quién soy cómo artista. Esta canción es
totalmente yo, esa es la mayor diferencia.
¿Qué artista te gusta o con quién estás
familiarizada de Sudamérica?
Todos son increíbles. TINI es increíble, su música,
su voz, su estilo… De hecho, ambas nos seguimos
en redes y sería genial colaborar con ella
alguna vez, o solamente salir a tomar algo, eso ya
es suficiente.
¿Estás interesada en lanzar tu propia
marca de ropa?
Totalmente, es mi sueño un día. Sería algo muy
adorable ver a pequeñas chicas o chicos vestidos
como yo. Es algo que está presente en mi lista de
sueños, me gusta poder expresarme a través de la
ropa y la moda.
FOTO: JORA FRANTZIS
28 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
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el spin-off de universal music provocará nuevos movimientos de ingresos,
así como nuevos conflictos y competencia.
POR ROBERT LEVINE Y GLENN PEOPLES
no hace tanto tiempo, pensar más seriamente
sobre el futuro del negocio de la música implicaba
predecir el colapso de los principales sellos
discográficos. En 2002, David Bowie dijo que la
música “se volvería como agua corriente” y que los
derechos de autor desaparecerían en una década.
Y una vez que la música se hiciera gratuita, ¿quién
necesitaría una empresa que ayudara a promocionarla?
En 2013, el líder de Radiohead, Thom
Yorke, llamó a Spotify “el último pedo desesperado
de un cadáver moribundo”, refiriéndose a las
etiquetas, y luego distribuyó su álbum Tomorrow’s
Modern Boxes en BitTorrent.
(¿Recuerda BitTorrent?) Los inversores no eran
mucho más optimistas. En 2003, Time Warner
vendió su negocio de música a un grupo de inversionistas
liderado por Edgar Bronfman Jr. por 2.6
mil millones de dólares, un múltiplo de nueve veces
el EBITDA de la compañía, o ganancias antes
de intereses, impuestos, depreciación y amortización.
En 2011, Universal Music Group, bajo el
nuevo CEO Lucian Grainge, acordó comprar el
negocio de grabación de EMI Music por US$ 1.9
mil millones, solo siete veces su EBITDA, en lo
que bien pudo haber sido el fondo del mercado.
Ese mismo año, Spotify se lanzó en Estados
Unidos. En unos pocos años, se convirtió en la
empresa de agua que Bowie podría haber imaginado,
al igual que Apple Music y otros servicios. Sin
embargo, por mucho que la transmisión representara
un nuevo modelo de negocio innovador,
el futuro no resultó ser tan radical como algunos
predijeron.
La mayoría de los artistas ambiciosos aún hacen
tratos con sellos o distribuidores, que otorgan licencias
de su música a compañías que generan la
mayoría de los ingresos de la industria al cobrar a
los consumidores por ello.
El poder del streaming y sus ingresos estables
y escalables impulsaron la escisión del 21 de septiembre
de Universal Music Group by Vivendi, que
resultó que fue fundada en 1853 como una empresa
de agua real. UMG, que salió a bolsa con un
valor de aproximadamente US$ 57 mil millones, es
la compañía de música más valiosa de la historia y
cotiza por aproximadamente 30 veces su EBITDA
de 2020. En su primer día de operaciones, ayudó a
impulsar el valor de Warner Music Group, que salió
a bolsa el año pasado, en un 13,4%. WMG, que
cotiza a un múltiplo de EBITDA de 27, anunció
recientemente un acuerdo para lanzar los álbumes
que lanzó Bowie después de 2002. Y Tomorrow’s
Modern Boxes ahora está en Spotify.
La escisión de UMG deja en claro que la industria
ha entrado en una nueva fase, que parece un
boom para los tipos de actos que funcionan bien
en la transmisión y los sellos y distribuidores que
trabajan con ellos. (Queda por ver qué depara el
futuro para otros tipos de actos, al igual que cuánto
compartirán los editores y compositores de esta
prosperidad). Podría aumentar aún más el valor de
la grabación y publicación de catálogos, que ya se
han elevado a múltiplos sin precedentes. además
de inspirar a otras empresas a cotizar en bolsa (ver
artículo, página siguiente). UMG puede beneficiarse
más de un auge que sus competidores, ya
que su participación de mercado no tiene precedentes
en el negocio de la música moderna, razón
por la cual los inversores la valoran muy bien. Pero
incluso a esos competidores ahora les resultará
más fácil recaudar capital, y gran parte del dinero
que se vierte en el negocio de la música ayudará a
otros músicos: actos que pueden negociar mayores
avances, compositores que pueden obtener más dinero
por sus derechos de publicación, promotores
de conciertos que se beneficiará de presupuestos
de marketing de artistas más altos.
Lo que también significa que UMG se enfrentará
a una feroz competencia, de sellos establecidos,
nuevos distribuidores y una variedad de empresas
de servicios para artistas. El hecho es que los
artistas de cualquier tamaño ya no necesitan una
etiqueta como antes. Los servicios de transmisión
por secuencias y las redes sociales han reducido
el costo del marketing y la promoción, y algunas
empresas incluso están comenzando a ofrecer anticipos
contra regalías y otros servicios financieros
que antes solo las discográficas podían brindar.
Muchos artistas todavía quieren una etiqueta, por
supuesto, para financiar el marketing o sufragar el
riesgo, pero a menudo solo en sus propios términos.
La competencia entre empresas con diferentes
modelos de negocio solo les ayudará.
Hace dos décadas, el negocio de la música se
convirtió en una serie de conflictos sobre si la
música grabada continuaría generando ingresos
significativos en un mercado digital. Durante
años ha estado claro que lo hará, y el optimismo
sobre cuánto sigue aumentando. Lo que aún no
se ha resuelto por completo es cómo se dividirán
esos ingresos, entre sellos y empresas de distribución,
pero también entre sellos y editoriales, sellos
y artistas, y qué modelos comerciales serán más
efectivos en una industria donde cada jugador
tiene mucho más. elección de cómo estructurar
acuerdos y con quién. Y estos conflictos, menos
convincentes para los expertos, pero más interesantes
para los inversores, darán forma al negocio
de la música del futuro.
ILUSTRACIÓN: DAN WOODGER PARA BILLBOARD
30 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
EL
PADRINO
DADDY YANKEE llevó el reggaetón de las calles
de San Juan a un escenario global y enseñó a
sus estrellas una nueva forma de hacer negocios.
Mientras prepara su décimo álbum, muestra por
qué sigue siendo “The Big Boss”.
POR LEILA COBO
FOTOS: JAI LENNARD
32 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Yankee fotografiado el 5 de
agosto en el Palacio Provincial
de San Juan, Puerto Rico.
Diseño de Rachel Johnson
Camiseta Ambush, pantalones
Hudson Jeans, zapatos Y3,
reloj Richard Mille, joyas de
David Yurman y gafas de sol
Cutler + Gross.
BILLBOARD.BO
33
mer álbum de reggaetón en llegar a
ese lugar, y permaneció allí durante
24 semanas, convirtiéndose finalmente
en el mejor álbum latino de
la 2000.
Con él, Yankee alteró irrevocablemente
el sonido y el negocio de
la música latina, no solo impulsando
el surgimiento de un género que
hoy es un fenómeno global, sino
literalmente construyéndolo desde
cero. Estableció los estándares para
todo, desde cómo se vestían los
reggaetoneros hasta cómo se creaba
su música y la forma en que los
artistas más importantes del género
negociaban colaboraciones y divisiones
de canciones. En el camino,
introdujo un modelo de negocio
independiente de bricolaje, en el
que financió su propia grabación,
marketing y promoción; distribución
con licencia exclusiva; y, lo que
es más importante, mantuvo la propiedad
de sus maestros, que se ha
convertido en un modelo adoptado
por muchos de los actos latinos más
vendidos de la actualidad.
“[Daddy Yankee] fue, y es, una
inspiración para mí, no solo musicalmente,
sino también como un
visionario de la industria del entretenimiento
y un gran defensor de
nuestro género”, dice Ozuna. Anuel
AA lo llama con total naturalidad
“una leyenda” que “allanó el camino
para muchos de nosotros.
Todos empezamos desde abajo,
pero él empezó desde cero, cuando
el género ni siquiera existía. Eso es
algo que solo los grandes pueden
hacer “. Y Yankee no solo se ha
mantenido relevante; se ha mantenido
en la cima, con seis No. 1 en
Top Latin Albums; un récord de 73
entradas en Latin Airplay y 84 éxitos
de Hot Latin Songs desde “Gasolina”,
incluyendo “Despacito”, que
rompe récords y cambia de paradigma,
junto a Luis Fonsi. “Estuvo
a la vanguardia de los dos cambios
más importantes en la música latina”,
dice Jorge Mejía, presidente
/ CEO de Sony Music Publishing
Latin America y U.S. Latin, de esos
dos temas. (Sony acaba de renovar
el contrato editorial global de
Yankee). “Antes de ‘Despacito’, la
idea de que los compositores latinos
podían colaborar en un escenario
mundial no era algo común”.
Karol G dice que asociarse con
actos en ascenso es algo que aprendió
directamente de Yankee. “Nunca
percibes al chico como viejo
porque colabora con los actos más
Daddy yankee
se sentó en
el diminuto
departamento
que compartía
con su esposa
y sus tres hijos en Villa Kennedy, un
proyecto de viviendas en San Juan,
Puerto Rico, escuchando los sonidos
de las calles.
“¡Cómo le gusta la gasolina!”,
Gritaban las voces debajo de su
ventana, burlándose de las chicas
guapas que los llevaban chicos con
autos llamativos. “A mi me gusta
la gasolina, dame más gasolina”, se
coreó Yankee para sí mismo, un
estribillo que no podía sacarse de
la cabeza.
Era 2004, y Yankee (nacido Raymond
Ayala), entonces de 28 años,
era el líder de un floreciente movimiento
musical clandestino conocido
como reggaetón. Sabía que la
música era demasiado grande para
limitarla a las calles donde vivía, y
que necesitaría un megahit para salir
fuera de su hogar en la isla.
Tomó el coro y fluyó hacia su
amigo Luny, del dúo de producción
Lunytunes, entonces los principales
productores de la escena. Junto con
el rapero y letrista Eddie Dee, desarrollaron
una pista, agregando el sonido
de los motores disparando en
la introducción junto con los versos
rápidos de Yankee y, encima del ritmo
contundente y agresivo de Luny,
ese estribillo que sonaba como una
burla en el patio de la escuela. .
“El verso era tan simple y fácil
de recordar”, recuerda Yankee hoy.
Está sentado en la biblioteca del
Palacio Provincial, un hotel recién
inaugurado en un edificio del siglo
XIX en el corazón del moderno
Viejo San Juan, a 10 minutos en
auto pero a toda una vida de ese
viejo apartamento de Villa Kennedy.
“La gente buscaba un significado
oculto: ¿estaba hablando de
alcohol, de drogas? Pero esa pista es
completamente literal “.
Independientemente de cómo lo
interpretó su público, “Gasolina” resultó
ser el combustible que el reggaetón
y el yanqui necesitaban para
explotar. La canción se convirtió en
el segundo sencillo de Barrio Fino
de 2004, el tercer álbum de Yankee
en El Cartel Records, el sello que
había creado tres años antes. Distribuido
por el sello Machete de Universal
Music Group (UMG), debutó
en el n. ° 1 en la lista de los mejores
álbumes latinos de Billboard, el pricalientes,
pero también con los actos
nuevos más calientes”, dice ella.
“Es algo por lo que los nuevos artistas
están agradecidos”.
Sin embargo, a pesar de que su
alcance se ha expandido a un escenario
global, muchas cosas se
han mantenido igual para Daddy
Yankee. A lo largo de los años, ha
continuado lanzando su música en
El Cartel a través de acuerdos de
distribución con diferentes sellos.
Su álbum bilingüe de 2007, El Cartel:
The Big Boss, fue distribuido
por Interscope porque “me dieron
el mejor trato”, le dijo a Billboard en
ese momento. Debutó en el N° 1 en
Top Latin Albums y en un respetable
N°9 en la lista Billboard 200
de todos los géneros, sin embargo,
para su próximo álbum de estudio,
Mundial de 2010, eligió Sony Music
Latin como distribuidor, y luego
Capitol Latin para Prestige de 2012,
nuevamente. citando “el mejor trato”
como su principal razón para
los cambios.
A los 46 años, todavía es apuesto
como un niño, su corte de pelo
acentúa la piel suave y los rasgos
cincelados. Está delgado por hacer
ejercicio durante la pandemia, usa
una camiseta blanca, pantalones
deportivos y la cantidad justa de
joyas (cadena, brazalete, anillo y reloj
en platino y diamantes a juego)
para irradiar confianza en sí mismo,
no fingir.
Aún vive en Puerto Rico, no solo
porque es su hogar, sino porque le
permite “estar en contacto con las
calles”. Todavía trabaja con gran
parte de su equipo del primer día,
incluida la publicista Mayna Nevarez
y la productor Luny.
Y todavía está casado con su no-
34 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
via de la secundaria Mireddys González,
quien también es su gerente,
directora ejecutiva de El Cartel y
una emprendedora por derecho
propio con más de un millón de seguidores
en Instagram.
González (quien se negó a ser entrevistada)
es ampliamente conocida
por ejercer una amplia influencia
en la carrera de su esposo, lo que
Yankee admite libremente. “Ella es
la jefa. Ella siempre ha sido la jefa”,
dice con una sonrisa. (Más tarde,
los veré a los dos charlando en el
balcón del hotel, Yankee susurrándole
al oído mientras sus manos
rodean su cintura, como si todavía
fueran adolescentes).
Pero la última palabra en todo
se reduce al propio Yankee. “Su
atención al detalle es incomparable”,
dice Simran Singh, su abogado
durante los últimos cinco años.
“Él mira todo. Estudia música hoy
como lo hizo hace 20 años: los números
y las métricas, y está pensando
en todo desde el lado del marketing
antes de lanzar una canción “.
El director de video y diseñador
gráfico Carlos Pérez fue testigo
de eso de primera mano en 2004,
cuando Yankee lo contrató para
diseñar la estrategia de marketing
y visual de Barrio Fino. “Nos tomó
como tres días, él iba línea por línea
y preguntaba ‘¿Qué es esto?’”, Recuerda
Pérez, quien también todavía
trabaja con Yankee. “Finalmente,
dijo: ‘Lo quiero todo’. Todo costó
alrededor de $ 30,000, sin incluir el
video. No era barato para la época
ni para un artista independiente.
Pero simplemente dijo: “¿Puede
dividirlo en tres pagos?” Quería
marketing y la identidad al nivel de
cualquiera de los mejores artistas de
hip-hop “.
Ese conocimiento estratégico
aún está evolucionando mientras
Yankee se prepara para lanzar su
décimo álbum de estudio, y el primero
desde 2012, este otoño en El
Cartel, pero bajo un acuerdo de
distribución global renovado con
UMG, uno que cae directamente
bajo el alcance del CEO Lucian
Grainge y UMG. la vicepresidenta
ejecutiva Michele Anthony, con
Republic Records proporcionando
marketing y promoción.
El acuerdo, que Singh describe
como “astronómico”, aunque ni él
ni Yankee revelarán su valor, también
incluye una asociación en un
documental sobre la historia del
reggaetón, producido por Yankee y
financiado y producido por UMG,
que pronto comenzará. comprándolo
en plataformas de transmisión
y estudios.
“Daddy Yankee es ese artista
poco común que realmente da forma
a la cultura y cambia el mundo
a través de su música e ideas”, dice
Anthony. “Al convertir el reggaetón
en un fenómeno global, ayudó a impulsar
la explosiva popularidad cruzada
de la música latina. A través de
su música y su espíritu empresarial,
ha creado nuevos modelos comerciales
y una plataforma que ha lanzado
las carreras de muchos de los
nuevos artistas de la actualidad “.
El acuerdo se elaboró el año
pasado en medio del apogeo de la
pandemia. Yankee, distribuido por
UMG desde el acuerdo de Capitol
Latin en 2012, todavía le debe a la
compañía varios sencillos. Pero en
lugar de simplemente entregarlos,
propuso un álbum completo bajo
un nuevo acuerdo: con UMG en lugar
de Universal Music Latino.
“Los fanáticos finalmente están
listos para escuchar un álbum completo
en plataformas de transmisión”,
dice Yankee. “Necesitamos
crear un momento, ¿y qué mejor
gente que Sir Lucian y Michele Anthony
para hacerlo? Republic tiene
un sentido de la cultura [latina] y
tienen muchos latinos en sus equipos.
[Universal Music Latino] era
mi distribuidor, pero todo lo demás
lo hacía por mi cuenta. Ahora,
UMG, son mis socios “.
Aunque la lista de canciones del
álbum aún es un trabajo en progreso,
incluye el sencillo “Métele Perreo”
(lanzado el 2 de septiembre),
una pista de reggaetón vintage de
ritmo rápido con un video que rinde
homenaje a la
Pueblo puertorriqueño de Bayamón,
donde los yanquis entrena a
diario en un gimnasio de boxeo. Y
también incluirá, como es habitual,
colaboraciones con grandes nombres
y promesas por igual. Yankee
siempre está buscando la próxima
estrella lista para romper, como lo
estuvo antes, como el rapero Eladio
Carrion, con quien recientemente
se unió en una pista.
“Lo estoy apoyando y estoy
abrazando lo que está haciendo
porque reconozco la importancia
y la credibilidad del artista que
viene de las calles”, dice Yankee.
“Mi objetivo siempre fue crear
una cultura urbana, en español,
que obtuviera reconocimiento.
Y gracias a Dios, me acerco a mi
cuarta década musical y estoy
viendo los resultados “.
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36 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
¿Cuándo decidiste hacer de
la música tu carrera?
No tenía otras opciones. Tenía una
hija, así que pensé: “Tengo que cantar,
de lo contrario, ¿cómo voy a
apoyar a este niño?” El problema era
que estaba iniciando una carrera en
un género que aún no existía. Era
reggae y era rap, pero no reggaetón.
La cultura del reggaetón empezó
con nosotros, en 1990, 1991.
Empezamos a sacar música y
tocar en todos los proyectos de vivienda.
Y empezaron a pagarnos,
poco a poco. Teníamos un DJ y un
tocadiscos, usábamos el mismo micrófono
que el DJ y nos pagaban $
20, $ 50, $ 100.
¿Qué te convenció de que
podría funcionar?
Empezamos cantando en las fiestas
patronales (fiestas patronales
comunes en Puerto Rico) en los
proyectos de vivienda. No teníamos
soporte ni marketing y siempre
éramos el éxito de la fiesta. Fue entonces
cuando me di cuenta de que
teníamos algo poderoso en nuestras
manos. Además, la gente venía a
comprar mis casetes. Hacía calor
en las calles. Otras personas no lo
entendieron, pero yo sí, porque había
sido un gran fanático del rap de
los 80, Run-DMC, LL Cool J, desde
que era niño, y estaba sucediendo
lo mismo que había sucedido con el
rap. aquí, con nosotros.
La nueva generación de
artistas de reggaetón dicen
que ustedes son su inspiración,
tanto musical como
comercialmente. Siempre se
menciona el hecho de que
eres dueño de tus maestros.
¿Por qué tomaste esa ruta?
Nadie quería ficharme. Lo intenté.
Honestamente, nadie creía en
la música, punto. Pensaban que [el
reggaetón] era una moda. Me han
estado diciendo que soy una moda
pasajera desde 1990. Me han dicho
que me retire desde 1990. Llevé Barrio
Fino a EMI y Universal, pero
no estaban interesados en ese tipo
de música. Su oferta fue que me
pagarían $ 10,000 o $ 15,000 para
publicarlo, pero se quedarían con
los maestros. Para entonces, ya había
lanzado Elcangri.com [en 2002]
y había pagado personalmente para
fabricar 50.000 copias que distribuí
por mi cuenta. Si gano $ 5 por
álbum y vendo 50,000 álbumes, $
10,000 no cuadran. Sabía, desde el
momento en que comencé a fabricar
los álbumes, que quería crecer,
pero no tenía el sistema de distribución
para llegar a todos.
¿Estabas haciéndolo completamente
por tu cuenta?
Si. Entonces, cuando entré a negociar,
dije: “Estoy dispuesto a ser su
socio. Necesito que distribuyas mi
producto y me pongas en todas partes
“. Y dijeron que no: “No solo distribuimos.
Contratamos artistas y tu
música no se vende “. Ese es el error
que comete la gente cuando se sienta
detrás de sus escritorios y no está
en la calle. Eso me enseñó a estar
siempre en contacto con las calles.
Las circunstancias cambian cuando
creces como artista y pierdes ese
anonimato y no puedes salir y conectarte
con tu entorno. Pero aquí
en Puerto Rico me relaciono con la
gente, voy a la playa, veo cómo consumen
música, le presto atención y
me permite crear.
Al principio de tu carrera,
antes de hacer sus propios
álbumes, grabó mixtapes
y compilaciones. ¿Cediste
esos maestros?
Si. En ese momento lo hice, porque
no teníamos sentido de la industria
de la música. No sabía lo que era un
maestro. Cuando publiqué Elcangri.com,
no tuve que preocuparme
por nada porque yo era mi propio
jefe y eran mis canciones y mis
letras. Pagaría por los beats, y eso
es todo. Hice la inversión y todo
lo demás fue para mí. Ni siquiera
tenía ASCAP. No sabíamos que obtuvimos
regalías de Airplay. Antes
de [Barrio Fino], todo eran acuerdos
verbales, apretones de manos,
intercambios de canciones. Ahora,
todo requiere un contrato [y una
compensación monetaria]. Barrio
Fino cambió no solo la cultura, sino
el modelo de negocio.
Cuando se habla de “modelo
de negocio”, se quiere decir
que, por un lado, el negocio
se profesionalizó con contratos
y convenios. Pero, por
otro lado, era un nuevo modelo
en el que conservabas
tus grabaciones maestras,
¿correcto?
Fue adoptado no solo por los actos
de reggaetón, tengo rockeros,
salseros que se me acercan y me
preguntan: “¿Cómo te convertiste
en tu propio jefe?” Amigo, porque
no tuve elección. Si nadie quiere
contratar a un niño talentoso hoy,
se graba a sí mismo, se produce a
sí mismo, escribe las canciones y
diseña el álbum. Crea sus propias
oportunidades. Tuve que crear mis
propias oportunidades y se convirtió
en parte de mi ADN.
Construiste tu carrera actuando.
Hoy en día, algunos actos
nuevos tienen cientos de millones
de transmisiones antes
de presentarse en vivo ...
A eso me refiero: ahora mismo tenemos
ascensores, no escaleras. Y
en la música, tienes que subir las
escaleras para navegar por los altibajos.
La mayoría de estos niños me
hablan y lo que veo es que no pueden
lidiar con los fracasos. Trabajaron,
aprendieron a usar Pro Tools y
explotaron. No han pasado por un
proceso. Entonces, cuando lleguen
a esa mala racha, que nos pasa a
todos, ¿cómo lo superarán? Esta generación
no tiene las herramientas
que son vitales para la longevidad.
¿Qué consejo les das?
Hombre, lo que siempre he aprendido
a lo largo de los años: ve al
estudio y haz tu mejor trabajo. La
música es lo que hablará por ti y
lo que realmente conectará con tu
audiencia. Las redes sociales son increíbles,
pero no generan ingresos.
Instagram no me genera ingresos.
Si tuviera Instagram, publicaría
todo mi contenido allí. Pero Instagram
no me paga por mi contenido.
Tampoco Facebook, Twitter o Tik-
Tok. YouTube me paga. Y Spotify y
Apple. Esos son mis aliados. Lanzo
música, te doy contenido y tu plataforma
crece, pero también la mía.
Escuché que cuando trabajas
en una colaboración tienes
un porcentaje fijo que pides,
sin importar con quién sea o
la cantidad de artistas involucrados.
¿Es eso cierto?
Si. Este es un tema difícil de abordar
con los artistas, porque a menudo
saben muy poco sobre el
negocio de la música. La forma en
que lo explico es: “Papi, no estoy pidiendo
más de lo que valgo. Ahora,
si me quieres en tu álbum, me gusta
colaborar, pero no me gusta regalar
lo que es mío. Entonces, ¿el maestro
es tuyo? ¿No? Luego, desde el
principio, trabajo para alguien más
que para ti. No trabajo para usted,
colega, sino para quien sea su due-
ño, su jefe. Soy un jefe, no un empleado.
No puedes pedirle a un jefe
que trabaje para otro jefe. ¿Quieres
colaborar conmigo? Estoy feliz de
hacerlo, pero recuerda que no necesito
hacerlo “. Lo hago porque me
gusta el artista, o me gusta mucho
la canción.
¿Alguna vez te pagó a alguien
por adelantado para
que grabar contigo?
Si. Cuando tuve que pagarle a alguien
por el respeto, lo hice. “Valgo
mucho” - OK. Siempre he entendido
el valor de un artista. Si colaboramos
y me cobra X, está bien.
La mayoría de mis colaboraciones
son intercambios, pero recuerde,
hay una línea muy fina allí. ¿Y si mi
canción funciona, pero la tuya no?
Con suerte, ambas pistas funcionan,
pero no siempre es así, y lo
entiendo. Entiendo que tienes un
valor que necesitas que cubra para
que, al final, estemos todos en un
buen lugar.
Pero el negocio es flexible y yo
soy flexible en muchas áreas. Entiendo
que a veces estamos hablando
de momentos culturales en lugar
de simplemente trazar posiciones.
“China” [el éxito de Anuel con Karol
G, J Balvin, Ozuna y Yankee] es
un buen ejemplo. Lo vi como una
canción importante para el género.
Cuando hacemos estas colaboraciones
con muchos artistas, hay
ocasiones en las que [acordé dividir
divisiones] en partes iguales, porque
es importante para el género. La visión
cultural es lo que me ha permitido
adoptar un enfoque de panorama
general en lugar de simplemente
centrarme en el éxito.
Nunca has tenido un manager
tradicional. ¿Por qué?
En los últimos años, Raphy Pina
ha intervenido como socio. Ayuda
a Mireddys con la gestión, pero yo
nunca tuve un gerente en sí. Tenía
ofertas de administración y de
agencias, pero en ese entonces no
entendían la cultura urbana latina
[Yankee ahora está representada por
WME]. Las agencias ni siquiera tenían
divisiones latinas. Ahora lo hacen.
Me invitaron a Coachella [hace
años], por ejemplo, y la paga era
ridícula. Seguían diciendo: “Es Coachella”.
Mi respuesta fue: “Infórmese
sobre cuál es mi valor y quién es mi
fan”. Ya estaba tocando en escenarios
como el Madison Square Garden y
el Staples Center, ¿me entiendes?
BILLBOARD.BO
37
Bueno, tomó muchos años
para que el reggaetón fuera
aceptado no solo en el
mercado estadounidense
sino también en países como
México y Argentina.
¿Qué papel jugaste en eso?
Me gusta decir que recibí las balas.
Quería que la gente entendiera mi
esencia, de dónde vengo, qué represento.
Pero al mismo tiempo, quería
llevar mi cultura a lo más alto. No
puedo decirte que haya una fórmula.
El reggaetón inicialmente solo se conocía
en la costa este. Cuando lancé
Barrio Fino, la costa oeste no lo entendió.
Iba a Los Ángeles o México
y la gente conocía a Daddy Yankee,
pero no sabían qué era el reggaetón.
Tuve que llevarme la cultura a todas
partes para que se volviera permanente
en lugar de desvanecerse
como otros géneros donde los artistas
simplemente se promocionan a
sí mismos. Cuando hice promoción,
hablé de todos los artistas de mi álbum:
“Este soy yo. Pero este álbum
también incluye a Zion & Lennox,
Plan B, Ivy Queen “. Tuve que tocar
su música y decir: “Estos son ellos.
Esto es reggaetón ”.
Tu álbum actual está incluido
en tu contrato de distribución
Universal de hace
mucho tiempo. ¿Qué habrías
hecho si no estuvieras bajo
ese contrato?
En este momento, ser un indie es
genial, pero si no tienes un socio
importante a largo plazo, te comerán
vivo, porque cada plataforma busca
sus propios intereses. Pero personalmente,
si no tuviera el contrato
de distribución anterior, lanzaría mi
música de forma independiente en
todas las plataformas. No me malinterpretes:
las grandes discográficas
no irán a ninguna parte. Tienen el
poder de su catálogo, de cientos de
artistas, y las plataformas necesitan
ese contenido. Una persona como
yo, que tiene apalancamiento, puede
cerrar tratos directamente con todas
las plataformas y ganar más dinero.
Pero, definitivamente, alguien independiente
explotará, o negociará un
lanzamiento directamente con Spotify
y Apple, por ejemplo.
¿Qué nuevos actos te gustan?
Todos ellos. Soy 100% pro Bad Bunny.
Creo que lo que está haciendo es
realmente importante y lo apoyo en
un millonésimo grado. Ozuna es un
gran trabajador. [Anuel] trae la calle
y el botín de la calle con él. Realmente
admiro la dedicación de Balvin,
y ha sido un pilar en traer una
nueva ola de música de América del
Sur. Me gusta lo que están haciendo
Rauw [Alejandro] y Sech. Maluma
tiene una marca extraordinaria y
está subestimado. Amo lo que está
haciendo Karol.
Es un momento emocionante
y rentable para la música
latina en este momento.
¿Qué desafíos quedan por
superar?
Paradójicamente, la ventaja y la desventaja
son las mismas: tenemos la
oportunidad de estar en términos
uno a uno con los fanáticos, pero
los fanáticos te consumen. Exigen
tanto que el desafío que tienen los
artistas hoy en día es: ¿Cuánto tiempo
puedo durar? Creo que hay una
base de fans que realmente escucha
y disfruta la música, y hay una base
de fans desechable que simplemente
está buscando la próxima novedad
y no permite que la música cree
experiencias en sus vidas. Nosotros
[los artistas mayores] tuvimos
la oportunidad de crear fans para
toda la vida, no solo yo, sino bandas
de rock, baladistas y salseros que
llenan los estadios. No tienen las
mismas transmisiones que tiene la
generación más joven, pero venden
más boletos. Estos artistas más jóvenes
tienen números asombrosos
porque tienen herramientas increíbles
a su disposición, pero yo habría
hecho lo mismo. No puedo ser un
OG resentido.
Ahora que se ha vuelto tan
grande, ¿existe algún peligro
de que el género se vuelva
desechable?
No, no. Por eso nunca me fui de
Puerto Rico. Entiendo la música
global, pero nuestras raíces son realmente
importantes. Esa es nuestra
identidad y nunca podremos
perder esa identidad. Y no creo que
lo hayamos perdido. Hay muchos
niños haciéndolo, pero pasan desapercibidos.
Es por eso que nos ven
a muchos de nosotros grabando
con ellos, porque reconocemos la
importancia de la cultura, incluso
si los números de transmisión aún
no están ahí. En este momento, hay
tantos colores para elegir en nuestra
música. Desde reggaetón hasta trap,
tropical, tropical urbano, todo está
funcionando. Se trata simplemente
de hacerlo bien.
38 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
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KAROL G
¿Estás haciendo lo que te gusta, es un
momento extraordinario?
Es un momento súper lindo porque estoy apostándole
100% a lo que siento. Al principio estaba
muy a la estrategia y ver cómo podía crecer, pero
ya llegué a un punto donde dije “si voy a hacer
esto el resto de mi vida, que sea porque me gusta
y que de verdad me representa”. Este último año,
mis letras han sido el reflejo de cómo me siento
como persona, como estoy en el día a día y lo que
veo que sucede alrededor. Todo se está alineando
a lo que es Carolina, y no tanto Karol G.
“El mensaje es amar
la diversidad”
La artista ya despliega su “Bichota Tour”, gira por los Estados Unidos
en la que recorrerá un total de once locaciones y que comenzó el 27
de octubre en Denver y finaliza el 26 de noviembre en Miami.
POR SANTIAGO TORRES Y JULIÁN MASTRÁNGELO
Después de haber sido galardonada
con los premios Artista Femenina
del Año Top Latin Song y Top
Latin Album en los pasados Premios
Billboard de la Música Latina, la colombiana
Karol G volvió a escena para anunciar su alianza
con la empresa Smirnoff. Esta unión busca llevar
el mensaje de la artista de respetar al otro y querernos
como somos a nivel global y a todos los
rincones donde la bebida diga presente. “Muchas
marcas me han ofrecido trabajar con ellas pero
si no hay un mensaje puro de fondo no lo hago,
Smirnoff lo tiene y me encanta que sea ‘amar la
diversidad”, afirma.
Dentro del repertorio elegido para el tour, que
se conforma por las canciones de su último álbum
KG0516, se encuentra “Tusa”, single que continúa
hoy con el récord de semanas consecutivas en el
número uno del Billboard Argentina Hot 100,
con 24.
¿Podés disfrutar más ahora que conocés
la industria?
Hubo un momento durante la cuarentena donde
podía salir a pasear, ya que no había shows ni entrevistas
presenciales, disfrutaba un poco más el
día a día. La verdad es que ahora mismo tenemos
la agenda acomodada hasta fin de año de 2022. El
equipo me dio tres días para irme a las Bahamas
antes de empezar “Bichota Tour” así que estoy feliz
por ese lado porque arranco la gira recargada.
Cuando todo paró yo también paré. Me conecté
conmigo misma, que es algo que antes
realmente no hacía porque es una carrera que
demanda mucho tiempo. En lo personal amo que
vamos a empezar los conciertos, es mi parte favorita
porque necesito conectarme con el público
en directo.
¿Cuál es tu trago favorito?
En cuanto a Smirnoff, el de manzana verde. Hace
mucho tiempo lo tomaba en casa con platanitos
verdes y guacamole, era prácticamente diario.
Combinación perfecta.
¿El empoderamiento femenino es algo
que tenga fecha límite?
Es un proceso que no termina nunca. Las mujeres
vamos a estar presente al 100% como los hombres.
Es algo que todavía está en proceso porque
es un estudio y una pelea constante, pero ya es
algo real. Como mujeres estamos ahí, representando,
formamos parte de los charts, la industria
nos respeta…
Fue un honor para mí que la doble portada de
Billboard fuera con Daddy Yankee, es el GOAT
del género donde empezó la carrera de Karol G.
Una de las cosas que siempre he querido llevar
con todo lo que hago es la igualdad y la búsqueda
de querernos como somos y respetarnos entre
nosotros, es una de las cosas más bonitas que
me dio esta alianza con Smirnoff. He tenido propuestas
de marcas pero si no tienen un trasfondo
puro, el beneficio no es igual. Se van a dar cuenta
del mensaje tan lindo que hay, que no es otro que
amar la diversidad.
¿Significa algo para vos que “Tusa”
siga manteniendo el récord de semanas
consecutivas en el Hot 100 Argentina?
Más que llegue al número uno o que nos den
premios por ella, lo que es de verdad significativo
es ver cómo una canción marcó a toda una
generación. Lo digo con orgullo, no quiero que
sea algo engreído. La cantaban hombres y mujeres
por igual, en fiestas, en la casa cuando empezó
la cuarentena… Es algo muy lindo, mi carrera
tuvo un antes y un después con “Tusa”. Me di
cuenta con ella que mi música podía sonar en el
mundo entero, tanto como Karol G como Carolina
también.
FOTO: HEATHER HAZZAN PARA BILLBOARD
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NATTI NATASHA
Celebrar la
vida a través
de la música
La artista dominicana acaba de ser madre de su primera hija junto a Rafael
Antonio Pina Nieves a la que bautizó Vida y lanzó su segundo álbum, que incluye
colaboraciones con Maluma, Becky G, Justin Quiles, Miky Woodz, Fran Rozzano, Nio
García, Farina, La Duraca, Prince Royce, Mambo Kingz, Slow Mike, Bassjackers, Dimitri
Vegas & Like Mike y la argentina Cazzu.
POR FLORENCIA MAURO, JOSEFINA ARMENDÁRIZ Y SANTIAGO TORRES
FOTOGRAFIADA POR: MIGUEL DUCOS
42 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
EXCLUSIVO
DIGITAL
en español
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A
una semana de
lanzar su segunda
obra y a cuatro meses
de ser madre, Natti
Natasha se siente
feliz, estable y completa. En sus palabras,
la experiencia materna y este
nuevo álbum dieron lugar a “una
vida completamente nueva”. El sucesor
de Illuminnati es un trabajo con
17 canciones que cuenta además con
la participación de productores más
populares de la escena latina como
Tainy, Rudeboyz, Sky Rompiendo,
Luny Tunes, Edgar Barrera, Dímelo
Flow, DJ Luian, entre otros. La artista
también convocó al ícono del
reggaetón, Daddy Yankee, para colaborar
en composición y producción.
Natti Natasha es una de las mujeres
con mayor impacto en la industria
de la música latina. Actualmente,
la dominicana permanece en el
Billboard Argentina Hot 100 con su
colaboración “Ram Pam Pam” junto
a Becky G, también parte de Nattividad,
que se mantiene en el 27º del
chart.
Considerada una de las embajadoras
de la bachata, la artista tomó
el rol de ejemplo y demuestra que
la maternidad es compatible con los
escenarios: “Nattividad es resultado
de muchos sacrificios y momentos
lindos a la vez”.
“El hit cambia y la fórmula
nunca es una”
¿Por qué Nattividad?
El nombre es perfecto para todos
mis proyectos paralelamente. El
álbum, mi niña y este renacer de mí
misma personalmente. Siento que
resume todo lo que me ha pasado en
estos últimos años porque definitivamente
trabajar en un proyecto no
es fácil y ha resultado en uno de los
momentos más lindos de mi vida.
Tener un bebé y trabajar a la vez no
es fácil, pero cuento con un gran
equipo de trabajo que gracias a dios
lo ha permitido.
¿Por qué priorizaste el reggaetón
como sonido primario
en el álbum?
Tengo la oportunidad de hacer muchas
cosas y vienen nuevos proyectos,
pero no hay nada mejor que el
mundo latino. Nosotros tenemos lo
que necesitamos. Nosotros tenemos
energía, hacer ese reggaetón era algo
que quería hacer, se sentía correcto y
lo quería así. Siento que el resultado
es el perfecto.
¿Cuál fue el aporte de los
productores?
44 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Yo tengo los mejores productores
del mundo. Soy súper fanática de
Daddy Yankee, que cumple ese papel
en mi álbum, con Edgar Barrera,
Chino y más. Todos supieron muy
bien que yo no quería perder la
esencia de Natti Natasha. Ahora más
que nunca, yo estoy representando
al género urbano, en un mundo en
el que no iban a entender que yo
también iba a ser mamá dije: “no
vamos a perder la esencia de Natti
Natasha” y me apoyaron. Trabajando
con productores de esta índole, la
ganadora soy yo.
¿Qué te generó el premio
Billboard Salón de la Fama
para Daddy Yankee?
A DY todos lo tomamos como ejemplo.
Su disciplina, su forma de ser,
es un ícono, una leyenda viviente.
Se merece la nominación, el premio
y más. Ha luchado tanto. Todavía
tiene la humildad de tener los pies
en la tierra y siento que eso ya no se
ve en estos tiempos. Es un ejemplo
a seguir para muchos talentos que
están surgiendo.
¿Cómo incorporaste a tu hija
en este momento?
Creo que ella me incorporó a mí.
Ella me enseñó a tener mucho más
balance en mi vida, en mi día a día,
es como un organizar eterno. Siempre
trato de balancear todo. Ella me
ha organizado a mí, he aprendido
mucho con ella. Era lo que me
faltaba en mi vida. Me siento estable,
feliz, realizada, me siento completa.
Una vida completamente nueva.
¿Se puede ser mamá y artista
full time?
La realidad es que en todos los
videos de Nattividad estoy embarazada.
Los fans estaban esperando
tanto un proyecto y yo tenía que
darles algo completo, con audiovisual,
todo. No sabía cómo iba a
quedar después del embarazo. La
verdad que nunca me ha gustado
pausar mi carrera, a mí me encanta.
No me gusta estar muy tranquila,
sentada, y siento que es un ejemplo
para mi hija ver que su mamá siguió
trabajando, luchando, peleando por
lo que ella quiere. Más que nunca
tengo que respaldar este proyecto
y que ella es parte de este proyecto.
Gracias a Dios me dio la energía,
no para todo el mundo es igual,
pero dije “por si acaso no tuviera la
energía después, voy a hacer todo lo
que pueda antes”.
¿Cómo ves la posición de las
mujeres en la industria?
Realmente hay un movimiento de
mujeres que está tomando protagonismo
en la industria. Sí, definitivamente,
mucho más que antes. Las
redes sociales fueron parte de eso,
dieron la oportunidad a mostrar el
trabajo con mayor facilidad.
¿Sentís que con Becky consolidaron
ese movimiento
al crear una colaboración
juntas?
Yo soy pro colaborar. Siento que,
de esa manera, uno siempre se
mantiene a flote, uno mantiene el
movimiento arriba, especialmente
en las mujeres. Mantener un movimiento
que antes no existía. Becky y
yo fuimos la primera colaboración
mundial donde dimos el ejemplo de
que se puede ser exitosa aún así colaborando
y de esa manera pudimos
crecer y marcamos una diferencia.
Soy de República Dominicana,
la cuna del reggaetón, y siempre
tomé como ejemplo la colaboración
porque ahí colaboraron desde el
inicio, antes que las redes sociales
existan, veía las colaboraciones y esa
unión siempre fue ejemplo para mí,
siempre estuvo.
¿Qué quedó de tus inicios
cantando en la iglesia?
Fue mi formación. Fue eso lo que
me llevé de Santiago, en República
Dominicana. Todos los momentos
de tu vida son muy importantes y
son caminos que te llevan a lo que
quieres ser. Dios es una parte esencial
de la vida de Natalia Gutierrez.
¿”Un imposible amor” es un
“cuento breve”?
Ríe). Creo que es el cuento más
largo que puede existir. Un cuento
breve es ese amor que pensabas que
iba a perdurar en la eternidad y se
esfumó.
¿A veces cuando tenés “Un
Imposible Amor”, necesitás
que tu corazón se vuelva
“Frozen”?
Hubo un momento en mi vida en
el que mi corazón estaba “Frozen”,
y fue calentando hasta estar como
está hoy.
¿Y hoy cómo está?
Hoy mi corazón está completo. Hoy
está vivo “Hasta que salga el sol”.
Ya por fin siento que tiene lo que
necesitaba.
¿Qué hacés antes de que
salga el sol?
Antes de que salga el sol doy leche,
me mantengo despierta más de lo
que pensaba, sigo muy creativa en
mi cabeza, puedo estar con la bebé
en un brazo y pensando cosas para
hacer.
¿Fue la colaboración con
Maluma saldar una cuenta
pendiente?
Hace muchísimo tiempo quería
colaborar con Maluma. Es un artista
“Nattividad es resultado
de muchos sacrificios y
momentos lindos a la vez”.
tan querido, tan talentoso. Encontré
mucha química, tenemos una linda
relación hace muchos años, pero
hasta que no estaba la canción perfecta
no se daba la colaboración. En
mi caso, tenía la maqueta, la composición
de Edgar Barrera. Pensé que
era el color perfecto para Maluma.
Pero de ahí a que dijera que sí tenía
que gustarle y conectar con ella.
Él dijo que sí y fue una bendición.
Siento que la dinámica de la canción
es bastante interesante.
¿Qué cosas no querés saber?
“No quiero saber” nada negativo.
Esa es una canción que escogí, canté,
interpreté, pero es especial porque
tenía las maquetas de las otras canciones
y cuando me enteré
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de que estaba embarazada, me tomé
el atrevimiento de hacer más, hacer
todo lo que yo quiera hacer aquí. Un
día buscaba la manera de hacerla
en español, pensaba que era una
canción tan delicada que no quería
dañarla. Quería que sea espectacular
y diferente. Me grabé para las redes
sociales y el mismo día me escribió
Chino, un productor, con una
canción para mí. Esa fue una luz
divina, tenía meses dudando cómo
hacerla, pensando cómo no dañar la
versión original, y lo logré. La hice
con “Hablando de Mí”, una canción
un poquito descarada, me tomé el
atrevimiento, me fui a mis tiempos
de Nueva York. Hice muchas canciones
que sentía que tenía que hacer
ahora.
¿Tu música refleja tus “crisis
positivas”?
Es un arma de doble filo, cuando das
todo tu sentimiento a las canciones
por cosas que te han pasado, es
como que volvieras a ese momento
de tu vida. Esa es la única forma de
sacar ese sentimiento e interpretar y
llevar el mensaje que quieras llevar
en la canción. Te da la oportunidad
de expresarte y que las personas
que escuchan conecten porque
pasaron algo similar. Lo hice asunto
mío, porque sabía que tenía que
mantener mi esencia, lo comuniqué
a todos. Daddy Yankee fue compositor,
productor y una parte esencial
y me entendió. Le dije: “Estoy embarazada
y quizá allá afuera mucha
gente no va a entender que sigo
siendo Natti Natasha, aunque vaya
a tener una criatura, pero en este
momento es más importante para
mí romper ese cliché y decir que
puedo ser feliz en todas mis facetas
porque voy a poder seguir haciendo
música porque soy feliz”. Y mi
manera de demostrar que soy feliz
y de ser un ejemplo para mi hija es
que yo nunca cambié quién yo soy.
Como con mis fanáticos, para poder
ser feliz para ella, necesito ser feliz
yo también.
¿Qué no puede faltar en una
canción tuya?
Yo trabajo mucho en que mi esencia
se mantenga. Creo que la gente
conecta con mi esencia. Siempre
soy Natti Natasha. Siento que las
canciones resaltan porque es una
bendición de Dios. Me preocupo
mucho porque me gusten, no hago
algo que no me guste. No importa
qué género, qué color. Puede ser un
reggaetón, una bachata, un dancehall,
pero tiene que ser algo que me
encante por completo.
¿Qué opinás de la legalización
de la marihuana?
Es una decisión muy personal.
Conozco personas que lo hacen por
salud, y creo que mientras no les
hagan daño a otras personas, está
bien. Yo lo hice en un pasado, ahora
mismo no, pero no me ha afectado.
Definitivamente no voy en contra.
¿Qué mensaje querés dar
sobre la música latina?
Que la música se trata de ser creativo,
de hacerlo muy a tu manera.
Esos días que me veían tímida era
yo queriendo mostrar todo mi
esplendor, pero sin saber si me iban
a aceptar de la forma que yo quería.
Como lo hice con este disco, aun
estando embarazada, dije: “Voy a
seguir siendo yo porque eso es lo
que he implantado desde el primer
día y es como siempre me van a
conocer”, lo más transparente y real
posible. Las canciones las hice en
una etapa de mi vida muy difícil al
principio, que luego se tornó demasiado
hermosa. Con toda la energía
del mundo, que sigan de la manera
que van que esto se trata de seguir
con disciplina, rajando la carretera,
demostrando quién eres con buena
música.
SHOW: LUCHO SIERRA. NIÑOS: ARCHIVO PERSONAL MYR
46 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
BILLBOARD.BO
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LOLA ÍNDIGO
Un éxito con
acento español
La cantante y bailarina oriunda de Granada estuvo de visita en Buenos Aires en el
marco del lanzamiento de su segundo álbum La Niña, que cuenta con el single “La niña
de la escuela” junto a TINI y Belinda, que lleva 17 semanas en el Billboard Argentina
Hot 100.
POR FLORENCIA MAURO Y JULIÁN MASTRÁNGELO
48 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
EXCLUSIVO
DIGITAL
en español
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Desde su nacimiento
en 1992, Miriam
Doblas - nombre
verdadero de Lola Índigo
- se caracterizó
por su pasión por la música, el baile
y el arte en general. Previo al comienzo
de su carrera como cantante
y artista multifacética, la española
se desempeñó como profesora de
baile, llegando a participar en musicales
en sitios dispares como China
o Los Ángeles junto a artistas como
Chris Brown, Miguel Bosé, Enrique
Iglesias o Marta Sánchez, entre muchos
otros.
Ya en 2017 dio sus primeros pasos
como cantante, llegando a participar
del programa Operación Triunfo,
un reality show español dedicado al
crecimiento de promesas del mundo
del entretenimiento musical. Sin embargo,
no fue hasta 2018 que lanzó
su primer single bajo el nombre de
Lola Índigo, “Ya No Quiero Ná”, con
el que logró ingresar al Top 50 de
Spotify y superar a día de hoy los 90
millones de reproducciones en su canal
oficial de YouTube.
Akelarre, su primer disco de estudio
se lanzó a la venta el 17 de mayo
de 2019, incluyendo diez canciones
originales como “Mujer Bruja”, junto
a Mala Rodríguez; “Maldición”,
con Lalo Ebratt o “Fuerte”, videoclip
que cuenta a día de hoy con más de
13 millones de reproducciones.
Días atrás, vino por primea vez
a la Argentina para promocionar
su música e incluso sorprendió
al presentarse en el escenario con
“Dime Como Hago”, de María, en
aleatorio en Spotify, y me volvió
loca. No sabía quién era ella y la
empecé a seguirla al instante. Es
un amor, es una persona cariñosa,
generosa, muy humilde, talentosa…
la amo”, dice sobre ella. “María
pensó la idea del remix, lo comentó
por arriba y durante la cuarentena le
mandé un mensaje y le dije: 'Si vas
a hacer remix de “High”, yo estoy.
Cuenta conmigo que te mando todo,
ya se hasta lo que quiero hacer.
En España va a ir de lujo'”. A los
días me escribió para decirme que
TINI se había subido y me flipé, ya
tenía pensada una colaboración con
ella así que la verdad que estuve encantada”,
recuerda.
“Hoy estoy muy bien, súper, muy
feliz de estar aquí en Buenos Aires”,
abrió la charla con Billboard AR.
¿Se pueden hacer paralelismos
entre tu historia y el
disco?
Sí, además es un disco muy variado,
tiene R&B, reggaetón, twerk, pop
punk…
¿Te gusta dar “2 besos” o “4
Besos”?
Por mi daría “4 Besos”, acá en Argentina
me cuesta mucho acostumbrarme
a dar uno solo, siempre quedo
colgada con el segundo.
¿Jugabas con los Tamagochi?
Tuve, pero siempre se me morían
porque soy un poco desastre para
.¿Te dejan sin palabras cuando
te dicen: ‘’No sé qué
decir’’?
Una vez se me declararon, yo estaba
borracha y yo ya quería besar y
demás, pero esa persona me frenó
y me dijo que le gustaba de verdad,
que sentía cosas reales por mí y yo
no sabía que decir. Es muy raro dejarme
sin palabras a mí, pero esa fue
una declaración súper sincera que
me revolvió todo.
¿Imaginabas el éxito de "La
Niña de la Escuela?"
Ni de coña. "Ya no quiero Ná" alcanzó
el status de himno en España,
fue muy importante para mucha
gente. Salió en verano, tuvo un
mensaje muy chulo y en la calle la
gente me cantaba la melodía y ahora
cuando me ven por la calle dicen:
‘’ella es la niña de la escuela’’. Estoy
feliz porque lo he vuelto a hacer.
¿Alguna vez algo te salió
como el “Culo”?
Si, muchas veces, me he equivocado
mucho. Debemos normalizar que
los artistas nos equivocamos, tenemos
derecho a hacerlo, a cambiar
de opinión, a desafinar, a hacer lo
que sea porque somos humanos, no
somos robots, no podemos tener el
control de todo.
Pero llegó Khea y salió un
buen “Culo”…
Llego Khea y salió un “Culo” increíble,
estos días he conocido a la estilista
que le hizo el look a él y hablábamos
de lo impresionante que que-
“Debemos normalizar que los
artistas nos equivocamos, tenemos
derecho a hacerlo, a cambiar de
opinión, a desafinar”.
LOLA ÍNDIGO
ña. Somos como hermanos. Ahora
sacamos una colaboración en su
disco, nos queremos y admiramos
mutuamente. Con Lyanno me hubiera
encantado hacer el video de
la canción porque la amo, pero al
menos me queda un recuerdo con
una artista que me encanta, su voz,
su flow es lo más.
¿Tenes alguna “Calle” favorita?
El Paseo de los Tristes de Granada,
pese a su nombre no es nada triste,
es el lugar más bonito de Granada
para mí.
¿Qué te hizo sentir el contacto
con los fans de Argentina?
Mucha emoción, saber que escuchan
mi música desde tan lejos
es emocionante, internet nos ha
cambiado la vida y la pandemia me
acerco a este país con “High Remix”,
voy a estar siempre agradecida a
María y a TINI.
¿El rosa te identifica con las
niñas o con la inocencia?
Con la inocencia. No me gusta decir
que el rosa es un color de niñas ni
de niños, para mi es el color de pureza,
inocencia, de Britney en “Baby
One More Time”.
¿Cuál es la mejor lección
que la música te dio?
Quizás que cada uno tiene su manera
de hacer el arte y que todos
resonamos y latimos de una manera
diferente, todo es válido.
TINI y María Becerra: junto a ellas
cantó “High Remix” y “La Niña de
la Escuela”.
Con María Becerra fue la primera
vez que se vieron en persona, ya
que, si bien coincidieron en “High
Remix” lanzada en el verano de
2020, debido a las restricciones de
la pandemia no pudieron conocerse.
“Recuerdo que una vez me salió
casi todo, los shows y los ensayos es
lo único que domino.
¿Sos muy obsesiva con tus
shows?
Soy muy controladora de absolutamente
todo, es un problema que me
tengo que quitar, vivo segura de que
las cosas van a salir bien si se hacen
como yo quiero
dó el video. Amo a Khea, lo admiro
un montón, le estoy muy agradecida
y espero verlo pronto.
¿Cómo se dio el acercamiento
con los artistas que
colaboran en el disco?
Con Guaynaa nos hemos llevado
bien desde que nos conocimos, nos
la hemos pasado increíble en Espa-
¿Pensás que es el momento
de la canción en español?
Sí, conviene aprovecharlo y hacer
juntes con gente de fuera. Yo misma
estoy intentando tirar cositas con
gente que canta en inglés y me parece
brutal. Es increíble que sea al
revés y que ellos quieran colaborar
con artistas que cantan en castellano,
casi nunca fue así
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YOUNG BLADE
“Mi principal inspiración
es mi familia”
La carrera del músico y productor Lewis Pérez, conocido como Young Blade, está
creciendo en la escena latinoamericana luego de su éxito “Mantecado de coco”.
POR VITTORIO LEMA Y BENJAMÍN GARCÍA
FOTO: GENTILEZA YOUNG BLADE
Así es, la actualidad del artista
muestra que su canción “Mantecado
de coco” ya superó los 40 millones
de reproducciones entre Spotify y
YouTube y fue galardonado con el Disco de Oro,
certificado por RIAA (Recording Industry Association
of America).
“Al principio con “Mantecado de Coco” ocurrió
que tenía las voces y la idea pero me faltaba
la plata para invertir en el tema. Luego ocurrió lo
que todos ya saben, hicimos la canción y lo demás
es historia”, reconoce el músico.
A lo largo de su carrera, con tan solo 26 años,
ha colaborado con artistas de la talla de Nio García,
Bryant Myers, Alex Rose y nada ni nada menos
que Arcángel, uno de sus referentes.
Actualmente, la joven promesa del género urbano
se encuentra trabajando bajo el sello JUNGL
de Jaime Cosculluela, reconocido productor de la
música latinoamericana.
¿Influyó la pandemia en “Mantecado de
coco”?
Sí, salió a los pocos días de comenzada la pandemia.
Creo que si no hubiera venido todo lo que
vino seríamos aún más grandes de lo que somos.
Por suerte la pegamos, pero como siempre digo es
más difícil mantenerse que pegarla.
¿Qué hiciste durante ese periodo?
Me encerré a grabar mucho. En todo momento.
La use para mejorar mis temas, para hacer nuevas
canciones y dio resultado. Usé la pandemia a mi
favor. Escribí cerca de cien canciones. Hay varias
que se están trabajando ahora mismo. Todo lo
que va a venir salió en pandemia. Estoy por lanzar
una canción que se llama Valentino y la idea
es sacar un tema mensual fijo.
Acabas de lanzar el sencillo Instagram
junto al reconocido Bryant Myers.
¿Cómo surgió esa canción?
La canción la escribimos juntos durante la pandemia.
Es un tema fresco que por suerte tuvo muy
buena recepción en la gente. Al video lo grabamos
en Miami, quisimos mostrar la química que hay
entre nosotros y creo que se logró.
¿Cómo es tu proceso de grabación?
Habitualmente escucho un beat, le doy un tarareo
y ahí nomás monto la letra. Hay veces que ni siquiera
escribo las letras. Creo que por eso mismo
mis canciones salen tan duras y la gente se identifica
tanto. No escribo falacias, hago lo que siento.
¿Qué es lo que más te inspira a la hora
de escribir?
Mi inspira mucho la vida, pero sobre todo mi familia
y las personas queridas. Ver la cara de ellos
viendo mis shows es lo que más me inspira.
¿Cuáles son tus mayores influencias?
Tengo tres: Arcángel, Don Omar y Tego Calderón.
Pero sinceramente no sueño con ser como
ellos. Realmente quiero crear una nueva historia,
no quiero trazar la historia que otro recorrió.
¿Qué es lo que más te gusta de poder
vivir de la música?
Muchas cosas. Nunca hubiera imaginado tener
una entrevista con Billboard. Este tipo de cosas
recalcan lo que yo siempre digo. Todo lo que te
propongas lo podés lograr siempre y cuando trabajes
fuerte, los sueños nacen durmiendo pero no
se concretan durmiendo. Hay que tener disciplina,
hay que tener hambre. Todo los días hay que
darle como si fuera el primer día. Yo voy al estudio
todos los días.
¿Cuáles son tus principales objetivos
en la música?
Que mi familia pueda estar bien gracias a mi
talento. Yo no sueño con ser Daddy Yankee, Bad
Bunny, Don Omar, Anuel AA, yo sueño con
que mi familia esté bien gracias a mi trabajo. Mi
sueño no es ser como fulano, yo quiero comprarle
una casa a mi papá y que mis hermanos
estén bien.
“Todo los días hay que darle
como si fuera el primer día. Yo
voy al estudio todos los días”.
- YOUNG BLADE
¿Qué consejo le darías a las nuevas generaciones
de artistas que están dando
sus primeros pasos?
Que le hagan caso a su corazón. Tengo familiares
que me decían “suelta eso que no vas a ser cantante”.
Hoy en día mantengo a esa familia. Hay que
trabajar para ser feliz. Hay que trabajar fuerte, todo
el que trabaja fuerte obtiene sus recompensas.
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FOTO: GENTILEZA ORGASMO
ORGASMO
“Hay que reinvertir en la banda”
El grupo oriundo de Tarija se formó en 2014 y hasta la fecha cuentan con dos discos de
larga duración: No me vengas a mamar, de 2017, y Equimosis, lanzado en 2020.
POR VITTORIO LEMA Y BENJAMÍN GARCÍA
El género predilecto de los ahora
cinco tarijeños es el rock, influenciado
por bandas como Molotov o Red Hot
Chili Peppers y música negra como el
funk y el soul. Uno de sus fuertes es el vivo, en
donde aprovechan para potenciar sus canciones al
combinar virtuosismo, potencia y ritmos bailables.
“Para nosotros es muy gratificante saber que hay
personas que escuchan nuestras canciones, es
esencial, soñamos esto desde que empezamos con
el proyecto”, reconocen.
¿Cómo fueron sus comienzos?
Nos formamos sin antes haber pasado por otra
banda, nuestro principal objetivo era divertirnos
e intentar tocar un poco de música. Nuestras
principales influencias son las bandas que mezclan
el funk con el rock y que tienen personalidad
como Red Hot Chili Peppers o Faith No More,
por ejemplo.
¿Qué bandas bolivianas los han influenciado
o escuchan actualmente?
Escuchamos de todo, hay muchas bandas que nos
gustan. El Grillo Villegas, en todas sus formaciones,
nos parece alguien fundamental para la música
de nuestro país, también Matamba nos encanta,
todo lo que hace y sobre todo sus shows en vivo.
¿Actualmente cómo producen sus
canciones?
Las últimas canciones las estamos maqueteando
en nuestras computadoras, pero una vez que terminemos
de definir los temas se los pasaremos a
productores para que los trabajen de otra forma.
La idea para nuestro próximo trabajo es que esté
producido por productores internacionales, con
el objetivo de buscar otro sonido en la banda. La
idea de Orgasmo es evolucionar permanentemente.
A cada uno de nuestros discos los hemos
grabado de distintas formas, siempre tratamos
de innovar.
¿Cómo es Orgasmo dentro del estudio?
Al principio íbamos con una idea más clara al
estudio, a la antigua, en el segundo disco fue
distinto, algunos temas ya estaban grabados y
“Creo que nos gustaría tocar
en Argentina, muchos rockeros
han dicho que es el mejor
público”.
- ORGASMO
luego los mandamos al estudio, y en este último
que estamos preparando va a ser en su mayoría
a distancia.
¿Cómo se ven de acá a cinco años?
Sería un sueño tener muchas más canciones y
discos. Pase lo que pase externamente ojalá que
sigamos creando música, poder evolucionar más
y ser más profesionales en algunos aspectos que
creemos que nos faltan. De todas formas, no nos
atrevemos a pronosticar en el tiempo después de
todo lo que pasó con la pandemia (risas).
¿Hay algún show favorito que hayan
dado en el último tiempo que les haya
gustado?
El primer concierto que dimos fue una sensación
única, al ser la primera vez y ver a tanta gente fue
una sensación inigualable, también hay otro show
en Sucre que fue muy cool y la gente se emocionó
demasiado. En ese show había gente llorando, la
gente nos pedía autógrafos. Pero cada una de las
tocadas tiene lo suyo.
¿Y cuál sería su show soñado?
Creo que nos gustaría tocar en Argentina,
muchos rockeros han dicho que es el mejor público.
No sé, pensamos en el Teatro Coliseo de
Buenos Aires, por ejemplo, con todo el público
conectado.
¿Qué consejo le darían a las nuevas
generaciones de músicos que recién
comienza?
Lo más difícil son los primeros pasos. Hay que
animarse y hacerlo con actitud, obviamente después
hay momentos en los que te vas a frustrar,
que te vas a preguntar por qué no buscaste algo
que te de satisfacción momentánea, pero es un
largo camino. Pero cuando lleguen esas satisfacciones
va a ser inmejorable. La música trasciende
y se siente y eso es inigualable.
¿Cómo ven el panorama actual de la
música en Bolivia?
Creemos que de a poco va evolucionando. Se
puede vivir de la música hoy en día. Hay que
organizarse bien y administrarse. Eso es fundamental.
Hay que reinvertir en la banda. Creemos
que también es importante, al comienzo, tratar de
ganar dinero por otra parte y que eso no condicione
tu música, que muchas veces se corrompe
porque los músicos necesitan dinero y terminan
resignando su esencia.
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58 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
GARY SUÁREZ
“Quiero que la gente vuelva a
creer en el amor”
Recientemente, con el objetivo de seguir expandiendo sus
fronteras musicales y darle visibilidad a artistas que están dando
sus primeros pasos, lanzó “Me gustas”, junto a la joven promesa
Cami Pavisic.
POR VITTORIO LEMA Y BENJAMÍN GARCÍA
Luego de la canción “Nena tranquila”, la
carrera de Gary Suárez cambiaría para
siempre. Con este hit, que actualmente
en Spotify supera las 230 mil reproducciones,
el músico nacido en Cochabamba pudo
abrir el show de Bad Bunny en Bolivia ante tocar
ante 30 mil personas e ingreso a importantes
playlists de música latinoamericana.
“Estoy muy agradecido de esta canción, porque
hasta el día de la fecha es la que más alegría me
dio y con la que el público más se ha identificado”,
reconoce Gary.
“Con Cami nos conocimos en la presentación
de Billboard Bolivia y tuvimos una conexión que
hizo posible esta canción al ritmo del reggaetón
romántico”, explica el autor de “Adiós amor”.
¿En qué te inspiras para escribir tus
letras?
Así es, la mayoría de mis canciones hablan de
amor. Últimamente vengo escuchando canciones
que dicen que las mujeres tienen que tener muchos
hombres y yo quiero darle una vuelta a eso.
La idea es que la gente vuelva a creer en el amor
y es por eso que antes de escribir una canción me
propongo contar lo bonito que es estar enamorado.
Simplemente eso.
me enseñó mucho del género urbano. También
algo que escuché y voy a escuchar toda la vida son
Los Kjarkas. De afuera hoy en día me gustan mucho
Camilo y Sebastián Yatra, esa línea de letras
limpias y mensajes positivos que tienen ellos es lo
que estoy buscando.
¿Cómo nació “Nena Tranquila”?
Es una historia que viví y que sentí en su momento
con mi pareja. El objetivo fue que la gente se
identifique con la canción. Y creo que lo logré. Al
comienzo tardó en popularizarse, pero cuando
empezó a sonar en Radio Disney todo cambió.
Después, Spotify la empezó a agregar a listas y
empezó a sonar mucho más. Luego sucedió lo que
todos saben, la canté ante 30 mil personas antes
del show de Bad Bunny. Esa noche me fui a casa
llorando de la emoción, nunca me había pasado
algo similar.
¿Cómo te ves de acá a cinco años?
Me veo en los premios Billboard, haciendo colaboraciones
con artistas internacionales. También
me gustaría apoyar a nuevos talentos locales, veo
una falla muy grande en composición acá en Bolivia,
aunque en el último tiempo de a poco está
empezando a cambiar.
FOTO: GENTILEZA GARY SUÁREZ
¿Compones solo todas tus canciones?
¿Cómo es el proceso?
Compongo todos mis temas, desde muy pequeño.
Primero empecé con boleros y canciones románticas
del estilo de Luis Miguel. Hoy en día estoy enfocado
en el reggaetón. Mi mayor momento de inspiración
llega cuando estoy de resaca, al otro día de
haberme agarrado una borrachera. Ahí es cuando
escribo mis mejores canciones porque me pongo
sentimental y se me abre el corazón. Las melodías
van surgiendo cuando me pongo a escribir, me
encanta componer, hay veces que tengo bloqueos
pero agarro el lápiz y algo surge. Pienso que hoy estoy
en mi mejor momento, dándolo todo.
Mencionaste a Luis Miguel, ¿qué otros
artistas locales e internacionales te
inspiraron?
En mis comienzos me inspiró mucho J Louis, él
¿Qué pensás que le falta a la industria
musical boliviana?
Aquí hace falta una escuela para jóvenes para que
desde pequeños aprendan a tocar instrumentos.
Falta fomentar un poco todo eso.
¿Vos cómo llegaste a la música?
La música en mi caso viene de familia. Siempre
en casa se escuchó música y hubo instrumentos.
Mi padre fue quien me la inculcó. Estoy totalmente
agradecido, sin él no podría haber elegido
esta profesión tan bonita.
Has cumplido con varios de tus objetivos ¿Cuál es
tu mayor sueño?
Hacer música es lo que más me gusta, es un
sueño que ya cumplí. En futuro me gustaría retirarme
habiendo aportado un granito de arena
para la música y para mi país. Me gustaría trazar
un camino para futuras generaciones.
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ABRAHAM MATEO
“ L-Gante me sorprendió, dejamos
material grabado en el estudio”
El videoclip de “Repetíamos” fue dirigido por Willy Rodríguez y producido por Javier
Bores desde su compañía Júpiter Films entre Almería y Madrid.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
Desde que comenzó su carrera
artística con tan solo seis años, Abraham
Mateo ha estado en la escena de
la música hispana a base de singles,
álbumes y colaboraciones con algunos de los
artistas más influyentes del mundo – 50Cent en
“Háblame Bajito”, Yandel y Jennifer Lopez en “Se
Acabó el Amor” o Manuel Turizo en “No Encuentro
Palabras”, entre otras -.
“Gente como 50 Cent, por ejemplo, que me
brinda su amistad, para mí es una bendición y
lo valoro un montón”, afirmó. Hace dos semanas,
el joven artista publicó a través de sus plataformas
digitales “Repetíamos”, hoy en día con
más de 1.4 millones de reproducciones en su
canal de YouTube. El videoclip fue dirigido por
Willy Rodriguez y producido por Javier Bores
desde su compañía Jupiter Films entre Almería
y Madrid.
¿Te dicen que en tus canciones tienes
tonos centroamericanos?
Lo tengo tan interiorizado que me sale sin darme
cuenta. A veces está el boricua, el colombiano…
Pero siempre tengo presente mis raíces y voy
agregando este toquecito español, que al final es
lo que me identifica.
¿Seguís en contacto con los artistas
con los que trabajaste?
Yo también me sorprendo mucho, cuando te vas
encontrando con personas en el camino y llegas
a colaborar con ellos, llevas la relación a un lado
más personal. Gente como 50 Cent, por ejemplo,
que me brinda su amistad, para mí es una bendición
y lo valoro un montón. Es una de las personas
que más me sorprende y más me confirma el
refrán de “las apariencias engañan”, es de la calle y
es alguien realmente humilde.
¿Durante la cuarentena estuviste trabajando
desde tu casa?
En casa tengo de todo, estoy equipado. La producción
es una cosa que siempre me ha gustado,
era mi sueño tener mi propio estudio de grabación
en casa. Me sirve hoy en día para producir,
grabar y también para la producción de otros
artistas, que es algo que empecé hace poco. Estoy
todo el día ahí metido haciendo canciones.
¿Te gustó el riesgo en la escena del
auto en el videoclip de “Repetíamos”?
Así fue, tuvo su riesgo, pero al final mereció la
pena. Visualmente quedó muy potente y nos
gustó muchísimo. Me gustó mucho porque soy de
arriesgarme, de hacer las cosas yo mismo y tirar
para adelante.
¿Le dedicas mucho tiempo al baile?
Le dedico mi tiempo, sí, es una cosa que me gusta
y siempre me ha gustado. Es una forma adicional
de expresarme y en los conciertos siento que la
gente lo agradece y le da un plus importante.
El público en Argentina te está esperando…
Estoy deseando volver a Argentina, es un país
con el que siempre he tenido mucha conexión.
Me ha gustado mucho estar por ahí, me recuerda
mucho a Madrid y la gente tiene una vibra brutal.
El asadito, dulce de leche, el mate… Además, hay
grandes artistas y tengo muy buenos amigos por
allí.
¿Tienes presente la escena urbana
nacional?
Me siento muy contento por lo que está pasando
en la Argentina con el panorama urbano. Está saliendo
una cantidad de artistas con un flow brutal
y disfruto mucho viendo los nuevos talentos que
emergen, es digno de admirar.
¿Dirías algún nombre?
Justamente hace un mes estuvo en mi casa L-Gante,
que es un artista que me gusta, su flow y la personalidad
que tiene sobre todo. Me sorprendió la habilidad
que tiene para escribir los versos tan rápido. Es
uno de los artistas con los que se puede venir algo
próximamente, es más, dejamos algo grabadito en el
estudio que ojalá pueda ver la luz pronto.
FOTO: GENTILEZA SONY MUSIC
60 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Rosevalley Productions,
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DANNY OCEAN
“Me di cuenta del poder que tiene escribir
desde el corazón”
El artista venezolano lanzó recientemente “Tú no me conoces” junto a TINI.
POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ
En 2016, “me rehúso” cambió la vida
de Danny Ocean de la noche a la mañana.
El cantautor venezolano abrazó el éxito
con calma y editó su primer álbum en marzo del
2019. Ahora, comienza una nueva etapa camino
al sucesor de 54+1 con su segunda colaboración
oficial: “Tú No Me Conoces”, junto a TINI. El
artista ya había colaborado con la artista colombiana
Karol G en “Miedito o Qué?”. El reto más
grande de Danny luego de “Me Rehúso” fue separarse
de su creación y seguir adelante: “Como un
bebé que se fue de su casa, ya tiene hijos y familia,
y tú tienes que seguir cultivando en tu casa. Cada
canción tiene su propio camino y el tiempo va a
determinar tu marca y tu nombre”, comparte.
Lo más importante, el hit le indicó el camino
más noble: la honestidad. “Me di cuenta
del poder que hay cuando uno escribe desde el
corazón”.
¿Cómo te sentís con el lanzamiento?
Increíble. Es una locura, salió con mucho poder.
Es mi segunda colaboración oficial de mi música.
Estoy feliz de haberla hecho con Martina, tenía
un año la canción. Fue muy orgánico. Nos conocemos
hace tres años y siempre decíamos de hacer
algo. Hice la canción en México, se la mandé,
le gustó y salió. El timing fue perfecto también,
no esperaba estar aquí para el lanzamiento.
¿Por qué TINI?
No sé, imaginé su voz ahí. Sentí que era un
universo donde encajábamos los dos. La canción
habla de la libertad del amor, de lo rico que es
un amor libre, de la verdad, de poder decir en
la comunicación. Sentí que era bonito, un tema
que podíamos compartir. Ella podía decirme con
confianza si le gustaba o no y le gustó mucho.
¿Qué significa Argentina para vos?
Cada vez que vengo a Buenos Aires descanso.
Duermo, me reseteo, estoy en paz, me siento
tranquilo. Caminar por Palermo me hace sentir
en paz. Tengo muchos amigos acá, pero también
me siento bien solo. Me siento conectado con la
gente, más allá de la diferencia cultural, siento
que somos personas de carácter fuerte. Buenos
Aires es una de las ciudades con más flow de Latinoamérica.
Más allá de lo cultural, es la paz que
me da. Ver la gente aquí, la vida cotidiana, cómo
pega el sol, es especial. Aquí me siento tranquilo.
Vivo en Miami y allá es todo muy agitado, aquí
está eso también, pero es más tranquilo, artístico.
No sé describirlo y me encanta, si te lo dijera con
exactitud perdería un poco la magia.
En tiempos en los que las canciones
expiran con mayor velocidad, “Me Rehuso”
continúa creciendo…
No sabía lo que estaba creando, nunca lo supe.
Hasta el sol de hoy estoy impactado por todo lo
que ha logrado esa canción. Cumplió cinco años
el mes pasado y sigo recibiendo mensajes, videos,
comentarios de gente que ha conectado y es mágico.
Es mágico cuando una canción sobrepasa las
barreras que no habías esperado nunca. Porque
para mí siempre fue una canción personal. “Me
Rehúso” me cambió la vida, me cambió la vida de
la noche a la mañana. Hoy sigo preguntándome
qué pasó, qué fue y no se puede explicar. Creo
que cuando una canción conecta, conecta. Esa es
la magia de la música
¿Hacés música por eso?
Sí. Mi música está muy conectada con lo que yo
vivo personalmente. Necesito vivir para escribir.
Cuando estoy escribiendo, no estoy pensando en
si va a llegar al palo o no, simplemente pienso en
cómo me siento y después le busco la vuelta, si es
funcional. Con “Me Rehúso” el timing fue clave,
también el verbo, no es nada típico. Y, al final
de todo, veo que fue algo honesto. Me di cuenta
del poder que hay cuando uno escribe desde el
corazón. No estoy pensando si va a ser funcional
a la discoteca o no, en mi cabeza quiero que sea
lo más cercano a lo que yo sienta. La practicidad
y comercialidad está después, la semilla es lo más
importante.
FOTO: GENTILEZA WARNER MUSIC
62 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
T1419
“Queremos salir a conocer a
nuestros fans en persona”
La banda cuenta con una tropa de seguidores en el mundo a los que
bautizaron oficialmente con el nombre de “Edelweiss”.
El grupo juvenil masculino de
K-pop T1419 regresa más fuerte que
nunca con nueva música. Luego de
su debut musical con “Before Sunrise
Parte 1- Asurabalta”, seguido del tema “Before
Sunrise Parte 2- Exit”, lanzaron “Before The
Sunrise Parte 3” -“Flex”. T1419 se destaca por la
diversidad cultural que existe entre sus integrantes:
cinco son de ascendencia coreana y cuatro
son japoneses.
“Flex” fue co-escrito por Bull$Eye y Keepintouch,
ambos han trabajado en conjunto con
el grupo desde sus inicios. Contiene fusiones
de EDM (música house) y Hip-Hop toma un
giro drástico de música clásica al incorporar el
sampleo del famoso “Sonata de Piano No. 8 de
Beethoven” para luego volver a implementar
EDM y Hip-hop. El tema representa, un mensaje
profundo sobre el amor propio y sobre tomar
conciencia de uno mismo. La banda ha sido destacada
por íconos latinos como Daddy Yankee
y Natti Natasha. Además, presentaron “FLEX”
por primera vez en su debut televisivo en América
Latina, para la 2da edición de los Premios
MonitorLatino.
¿Qué tal se llevan con las vibras latinas?
A veces escuchamos la música. Creemos que es
POR BILLBOARD CONTENIDOS
una buena experiencia, nos gusta mucho. Nos
gustan las vibras, mucha gente la conoce más
ahora por aquí.
¿Tienen influencias del dubstep en la
música, en “Flex”?
Nuestra canción está muy influenciada por el pop
de otros países.
¿Están listos para vivir esta vida de montaña
rusa con el tour?
¡Por supuesto! Siempre soñamos con salir de gira,
visitar Latinoamérica es un sueño y estamos muy
felices de ir. Creemos que la vida de montaña rusa
de los shows nos va a gustar porque queremos salir
a conocer a nuestros fans en persona. Creemos
que los fans latinos nos dieron el amor y la fuerza.
Por eso sigue nuestra pasión. Todo lo debemos a
nuestros fans.
¿Cuánto de artes marciales hay en su
música?
Hay un montón de artes marciales en nuestro
sonido y nuestras presentaciones. Pasamos
numerosas horas y años hasta llegar acá como
artistas de K-pop. Hay mucha preparación y es
más que “artes marciales”, abarca muchos aspectos
más.
¿Esperaban este crecimiento? Esa
unión…
Pensamos que en la cultura esta música nos hace
uno.
¿Trabajan en proyectos de gaming?
Estamos muy interesados en las nuevas tecnologías
y diversas iniciativas. Estamos buscando
unirlas con nuestros proyectos, como por ejemplo
estar con los fans sin estar físicamente con ellos.
Queremos participar más en proyectos de esa índole.
Creemos que la música se relaciona mucho
con el gaming y los fans lo hacen también. Queremos
usarlo como un modo de llegar a nuevos
fans también.
¿Qué es lo mejor de su fandom?
Estamos honrados de tener muchos fans en otros
países, sobre todo a los que no podemos ir. Su
pasión sigue intacta y eso es increíble. Lo más
sorprendente es tener muchos fans en muchos
países, nos gustaría decirle a cada uno lo mucho
que los amamos.
¿Creen que en el futuro todos vamos a
tener un solo lenguaje?
Son difíciles los idiomas, sí. El español es difícil,
pero suena interesante y nos interesa mucho la
cultura Latinoamericana, así que algunos aprendemos
español. También, creemos que el idioma
global es la música.
¿Por qué T1419? ¿Qué sucede antes del
amanecer?
Es por “Teenager 1419”. Contamos historias en
música y acá hablamos de las dificultades del
crecimiento de la adolescencia, las complicaciones
del mundo. Es el nombre del álbum porque
siempre está oscuro antes de que sale el sol. Estos
álbumes quieren hablar de historias de crecer,
volverse adultos. La oscuridad del mundo antes
del amanecer.
FOTO: GENTILEZA NEVAREZ PR
64 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
ALEJANDRO SANTAMARÍA, OVY ON THE DRUMS Y ADSO
“Para nosotros ha sido increíble”
“Se Fue” es una composición de los tres artistas junto a Keityn, quien ha sido la
mente detrás de algunos éxitos como “TUSA” de Karol G, “HAWAI” de Maluma y
“QUÉ MÁS PUES?” de J Balvin y María Becerra, entre muchos otros.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO
La letra de “se fue” habla del
amor no correspondido, cuenta la historia
de una relación que termina porque
no funcionó y en la que no hay marcha
atrás. Ovy On The Drums también fue el productor
de la canción y Mosty el encargado de la mezcla
y masterización.
En este tema, el colombiano Santamaría retoma
beats urbanos combinados con el pop, resaltando
la versatilidad para combinar letras y nuevos
sonidos. En el video oficial los artistas son los protagonistas
presentando a cada uno en su entorno
cotidiano, mostrando un poco del backstage y desarrollando
en varios escenarios lo que es el día a
día de su trabajo, incluyendo el cariño que tienen
con sus fans. El video fue grabado en la ciudad de
Medellín, bajo la dirección de Kath Díaz y la productora
2Wolves Film.
Santamaría recientemente se conectó con sus
seguidores en un concierto exclusivo para Tik-
Tok. El artista fue nominado en los Latino Music
Awards 2021 en la categoría “Artista Revelación
del Año” y ya suma varias nominaciones ratificando
el ascenso que ha venido desarrollando su
carrera musical. El cantautor colombiano ha compartido
escenario con artistas de la talla de Alejandro
Sanz, Luis Fonsi, Fonseca, Morat, entre otros.
“Para nosotros ha sido increíble. El tema salió
hace muy poco y la verdad es que le está yendo
muy bien. Han ocurrido un par de cosas que cambiaron
mi carrera, como salir en Times Square,
por ejemplo”, dice Alejandro Santamaría.
Adso, felicitaciones por tu colaboración con
Rusherking y Micro TDH también. Cuánta conexión
que hay entre Latinoamérica…
Adso: Es un remix que la gente estaba pidiendo
mucho. Literalmente quise hacerlo con un amigo
de la infancia que es Micro TDH, es alguien súper
talentoso. Después nos metimos en el terreno argentino
que es súper fuerte y súper leal, llamamos
a Rusher, que para mí es uno de los más rudos de
la nueva camada.
¿Cómo nace la canción?
Ovy: La idea principal nace en mi estudio una tarde.
Mi equipo estaba hablando con el de Alejandro
para hacer una canción y sentí que esta era la
adecuada para hacerlo. Fue increíble la participación
de Adso porque le sumó demasiado. Los tres
pudimos hacerle un coro muy bueno con nuestras
voces y lo catalogaría como un Pop con una increíble
propuesta musical.
¿Qué pueden contarnos acerca del
videoclip y todas las referencias cinematográficas
que tiene?
Alejandro: Me acordé de una anécdota que nos
pasó con el “borrador de memoria” de Men In
Black. Había entendido que tenía que apuntar el
láser a la cámara y todo el mundo me gritó para
que frenara porque si tocaba el lente, chau cámara.
En post producción tuvieron que agregarle el láser.
¿Ovy el público se sorprendió con tu
faceta como cantante?
Ovy: Me han llegado comentarios de la gente y de
colegas que me dicen que cada vez lo hago mejor.
Es una nueva etapa de Ovy On The Drums en la
que empezamos a cantar así que estamos desarrollándola
de a poco.
¿Cómo recuerdas tu show en TikTok
Alejandro?
Alejandro: Era muy necesario y gracias a Dios
han aparecido shows como ese, donde estuvimos
con un gran equipo de producción y cámaras profesionales.
Hubo casi 14 mil personas conectadas
y siento que estuvo brutal. Ahora ya estamos buscando
eventos en vivo, estoy haciendo una gira de
colegios junto a una emisora de Colombia, estamos
retomando que es lo más importante.
FOTO: GENTILEZA ALEJANDRO SANTAMARÍA
66 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
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68 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
FOTO: POPI GRAÑA
MARAMA
“Queremos hacer canciones
con artistas de otros géneros”
Después de un tiempo de separación y con la pandemia de por medio,
el grupo regresó para “volver a la alegría de los veranos 2015, ’16 y ’17” –
años en los que lograron más de 1000 millones de streams con
“Loquita”, “Nena” o “Noche Loca”.
POR BILLBOARD CONTENIDOS
Ya no llora” fue la canción elegida
para su regreso después de cuatro
años y a día de hoy ya cuenta con más
de 10 millones de reproducciones en
su canal oficial de YouTube y logró llegar al Top
10 del Billboard Argentina Hot 100.
Además, también confirmaron el comienzo de
su gira por Latinoamérica, que tendrá lugar en
el Antel Arena de Montevideo el 17 de diciembre.
Con motivo de su regreso, la banda pasó por
nuestros estudios para hablar sobre la producción
hoy en día, el respeto hacia la cumbia y el destino
de Marama como grupo.
¿Quiénes fueron los primeros que llamaron
para el regreso?
El regreso de Marama está pensado desde principios
de este año. Los chicos seguían tocando junto
a Agustín en su carrera solista, yo era el único
que no estaba haciendo nada referido a la música.
Me llamó Agus y me habló sobre el proyecto para
ver si quería volver.
Agus, ¿qué diferencia hay entre ser solista
y sentir la compañía de la banda?
Agustín: La principal diferencia es la toma de
decisiones y la compañía que uno puede tener.
Salimos todos juntos, siento que es mucho más
divertido también. En cuanto a las decisiones,
le da un aire a Marama distinto, es una lluvia de
ideas y funciona muy bien.
¿Cuánto riesgo había en cuanto a la elección
del sonido de “Ya No Llora”?
Agus (productor): Riesgo había muchos. Estuvimos
toda la pandemia pensando en si íbamos a
jugar al Marama de antes o buscábamos la innovación
manteniendo lo clásico. Hasta hace dos
o tres meses no lo teníamos claro. Tomamos la
decisión de ir por lo clásico y con pequeños sonidos
que uno escucha y ya son característicos. No
queríamos perder la identidad.
Mati, ¿pensaste en algún momento que
se habían olvidado de ustedes?
Matías: Hablábamos siempre sobre los temas
que tenemos y realmente le tengo mucha fe.
Agus, ¿cuán grande fue Marama previo a
la cuarentena?
Agustín: Si bien lo manejamos bastante bien,
siento que nos sobrepasó en un punto. Fue un
cambio de vida para todos. Tan fuerte fue que
nuestros planes de acá a un futuro es vivir de la
música para siempre. Siento que la banda se solidificó
y consolidó tanto que nos va a permitir trabajar
de esto por muchos años. Nuestra vida está
dedicada a la banda, 100%.
¿Cómo recuerdan la época donde Marama
era protagonista?
Fue una evolución. Fue el camino de la música
en español. En 2016 la cumbia todavía no estaba
consolidada, luego se fue consolidando y esto fue
muy bueno.
¿La cumbia hoy tiene más respeto?
Creo que sí, mucho más respeto. Incluso a nuestras
vidas personales pasó eso. Gente de otro palo
en Uruguay que decía: “Estos tocan tres acordes y
ya está…” Cuando se llega al Luna Park o a Viña
del Mar, la gente te empieza a respetar un poco
más.
¿Sienten que globalizarse es más posible?
Agustín: Sí, sobre todo porque la idea de Marama
en esta nueva etapa es hacer canciones con artistas
internacionales de otros géneros. Todavía no
hicimos feats ni mezclamos géneros y sentimos
que puede ser interesante sumar artistas de otro
palo, cualquiera sea. Escuchar a María Becerra,
Tiago o Duki cantar una canción de Marama sería
muy interesante por poner un ejemplo.
¿Los artistas en Uruguay siempre estuvieron
presentes al igual que hoy?
Uruguay mira a la Argentina y Argentina mira a
Estados Unidos o Norteamérica. Es una cadena
que es fantástica y que siempre pasó. Hoy en
día está más fuerte. La realidad también es que
Marama en un montón hizo parte de esa globalización
de la música uruguaya. Hoy por hoy,
artistas en Uruguay hay muy buenos y está muy
bueno que se empiecen a integrar. Es un mercado
muy chiquito y quizás por eso también venimos
a la Argentina. Nos sentimos parte de esa
responsabilidad.
¿Cuánto Rock & Roll tiene o ha tenido
Marama?
Tuvo y sigue teniendo. Al principio quizás no tanto
pero cuando se empezó a crecer ya se agregó a
las rutinas, giras y shows.
Agus, ¿qué pasó con el regreso de Marama para
vos y tus fans?
Agustín: Aunque no lo crean, hay mucha gente
que no estaba de acuerdo con la situación porque
se iba a sumar fandom del “exterior”, como ellas
lo dicen. Es una sensación extraña porque las fans
son casi una familia virtual. Tuvimos que charlar
con ciertas personas que quizás no entendían
bien la situación pero entendieron que si algo me
hace feliz, lo tengo que hacer.
¿En qué festival entraría Marama?
No sabemos si festivales, pero hemos estado en
España y diferentes ciudades recorriendo así que
diría que eso sería lo ideal, pasar uno o dos meses
recorriendo mientras tocamos.
BILLBOARD.BO
69
FUEGO
“El mundo necesita trabajar en
equipo para llegar al éxito”
Recientemente presentó una nueva versión de su éxito “Una Vaina
Loca” junto al artista argentino, Duki, y a Manuel Turizo.
Miguel ángel durán, conocido
artísticamente como Fuego es hijo
de padres dominicanos y comenzó
su carrera musical en el 2005, donde
se presentó con su canción “Me Gustan Todas”.
A lo largo de estos años, el cantante no solamente
se ha dedicado a presentar canciones, sino
que también fundó su propio sello discográfico:
Fireboy Music. Dentro de esta compañía, Fuego
presentó en 2010 su álbum La Música Del Futuro,
que debutó en el puesto Nº36 del Billboard
Top Latin Álbums – esta producción le valió la
nominación al Premio Lo Nuestro 2011 a Mejor
Artista Urbano -. Meses más tarde llegaría lo que
se considera hoy en día como su más grande hit:
“Una Vaina Loca”, el primero de sus singles en superar
los 20 millones de reproducciones en You-
Tube. “Esa canción fue la que me llevó a cantar
POR BILLBOARD CONTENIDOS
por toda Sudamérica y Europa. Imagínate, solo
para grabar el video oficial estuvimos tres días sin
parar de cantarla una y otra vez”, afirma. Este año,
esa canción volvió a decir presente, pero esta vez
junto a Duki y Manuel Turizo. La versión remix
ya superó los 20 millones de reproducciones en el
canal de YouTube del artista.
¿Llevas la cuenta de cuántos años de
carrera tienes?
Más o menos. Hacemos música, lo que amo hacer,
hace 15 años.
¿Cuál es la diferencia principal entre la
nueva generación y el momento cuando
empezaste?
Hay muchas más herramientas para promocionar,
sacar música, producir… Antes era más difícil
porque era todo físico. Las plataformas ayudan un
montón, permiten la conexión y la difusión mucho
más rápido.
¿Cómo te mantuviste durante el paso
del tiempo?
Creo que existe una evolución. Intento que mi
música evolucione, no soy un enamorado de ningún
tiempo. Eso me mantiene a mí innovando me
parece, porque a lo que todos le dicen “género”, yo
lo veo como pistas, ya sea de cumbia, reggaetón,
trap…
¿Cómo fue la elección tanto de Manuel
como de Duki en “Vaina Loca”?
La música de Manuel siempre me ha gustado,
me volví su fan desde el momento que compartimos
escenario en un show hace algunos años.
Con Duki tenemos una relación más de amigos,
compartimos mucho tiempo en el estudio y hemos
hecho varios trap juntos, incluso un EP que
nunca salió. Para mí es uno de los top tres de mis
artistas favoritos en la música urbana.
¿Crees que la bachata está en un momento
de renovación?
Pienso que es el momento de sacar ese tipo de
música bailable, bachata, dembow, la propia “Vaina
Loca”… La bachata con trap tiene la particularidad
de poder usarse en fiestas, clubs y todo tipo
de ámbitos, eso es lo bueno de este tipo de música.
¿Sentís que el artista hoy en día es 360?
El artista es todo ahora mismo. Estamos en un
momento donde la independencia vale mucho
más que antes. Para los artistas que quizás están
pensando en hacer negocios, quiero decirles que
es el momento más fácil para ser independiente y
promocionar su música.
¿Hasta qué grado podés delegar los
beats y la composición?
La música siempre se hace en equipo, ya sea compositor,
productor, el cantante o quién sea. En mi
caso particular, me gusta que la mezcla la haga
Kevin, sé que lo hace muy bien, me encanta y se
lo dejo a él. Pienso que todo el mundo necesita
trabajar en equipo para llegar al éxito. Un hitazo
se hace al trabajar con más gente y que cada uno
cumpla su papel.
¿Cuándo verá la luz tu próximo álbum y
cómo estás organizando tus giras?
En el 2022 quiero ir para la Argentina y para España.
Estamos hablando para poder hacer todo
y además estoy trabajando en mi álbum de trap
y hip-hop. Estoy haciendo otro remix de otra
canción antigua mía con varios exponentes de
RD y demás países. Quiero sorprender con más
remixes.
¿Por qué estás revalidando tu catálogo?
Hay gente que no las ha escuchado, eso primero,
pero también quiero volver a hacerlas con el sonido
de este 2021, aunque sin perder la esencia.
FOTO: GENTILEZA FUEGO
70 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
72 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
FOTO: GENTILEZA BMG
Duran Duran / Nick Rhodes
“Future past es de lo más
ecléctico de nuestra carrera”
El tecladista de la banda habló con Billboard Argentina sobre su próximo disco, el futuro
de la histórica banda inglesa y recordó sus shows en Buenos Aires.
POR WALTER GARRÉ Y BENJAMÍN GARCÍA
El 22 de octubre duran duran hizo
público Future Past, decimoquinto álbum
de la banda. El disco, que se vio interrumpido
por la pandemia, cuenta con la producción
de Giorgio Moroder ,Erol Alkan y Mark Ronson,
y con invitados especiales como el guitarrista de
Blur Graham Coxon; Mike Garson, pianista histórico
de David Bowie; y Lykke Li, quien aportó su
voz en algunas canciones.
“El año pasado con la llegada del virus tuvimos
que freezar la producción. Eso nos permitió mirarla
con otros ojos, tomar distancia, tener una
visión más amplia y cambiar algunas decisiones”,
afirma el tecladista Nick Rodhes, uno de los fundadores
del grupo surgido a fines de los setenta en
Birmingham. El músico reconoce que a pesar de
todos los problemas que trajo el virus, musicalmente
el parate les aportó una energía positiva que
les permitió pulir mejor la producción del álbum.
Con Future past, los creadores del mega hit mundial
Ordinary World, que alcanzó el puesto número
1 en el ranking Billboard de Estados Unidos, volverán
a las bateas y a las plataformas digitales con un
disco de estudio, el sucesor de Paper Gods, de 2015.
¿Cómo hacen para mantener la esencia
sin repetirse?
Es difícil. A nosotros particularmente siempre nos
gustó cambiar un poco las cosas. Cada vez que encaramos
un nuevo proyecto nos gusta probar nuevos
caminos, pero sin perder el estilo y el sonido
que nos caracteriza. No nos gustaría que el público
diga que nuestras canciones son todas parecidas.
Por eso siempre intentamos cosas nuevas.
¿Qué buscaron en las colaboraciones?
En el disco hay de todo. Por ejemplo “Falling”
tiene algo de música clásica y un poco de jazz, es
algo dentro de todo nuevo para nosotros. También
tenemos algunas canciones con un sonido más
electrónico y bailable, producidas por Giorgio
Moroder. En “Hammerhead”, nos fuimos más para
el lado del rock groovero, aunque también hay rap.
Y después tenemos a “More joy”, que parece una
canción sacada de un videojuego. La hicimos con
Chai, una banda punk de chicas japonesas.
¿Ya habían trabajado con Giorgio
Moroder?
Nunca lo habíamos hecho juntos. Es un músico
y productor completamente admirado por nosotros.
Fue un lujo en vida y un sueño hecho realidad.
Estamos muy contentos con toda la gente
que se sumó a este proyecto. Siempre es positivo
y enriquecedor compartir música con colegas que
uno admira.
¿Es uno de los discos más innovadores
de su carrera?
Posiblemente sea uno de ellos. También es uno
de los álbumes más eclécticos de nuestra historia.
Logramos que al escucharlo sea impredecible.
¿Recordás la última vez que tocaron en
Argentina?
Si, fue la tardecita en el marco del festival Lollapalooza,
de 2017, en Buenos Aires. Fue un show
increíble para nosotros, el público sudamericano
es fantástico, pero el mejor de todos sin dudas
es el de Argentina. Cada vez que tocamos haya
quedó impresionado, tienen algo en la sangre que
no lo tienen en otros países. Recuerdo que por la
cucaracha sentía un ruido particular y a medida
que iba a avanzando el show me di cuenta que era
el público. Cantaba todas las canciones, eran una
especie de orquesta de Duran Duran, eso no se
encuentra muy seguido.
¿Cuándo creen que volverán a tocar en
Argentina?
Si todo sigue bien en el mundo calculo que
el próximo año. Los extrañamos así que nos
encantaría volver cuanto antes a Sudamérica y
particularmente a Argentina. Son uno de los
primeros en la lista.
¿Cómo influye la emoción del público
en el vivo?
Amamos ver al público divirtiéndose. Es lo que
más nos pone felices. Cuando pasa eso en un show
nos damos cuenta que nuestras canciones llegan al
corazón de la gente. Y si podemos lograr eso para
nosotros ya es un éxito. Es lo que más nos llena.
¿Cómo vivieron la vuelta?
Fue espectacular, nos habíamos olvidado de lo
increíble que es tocar en vivo para tanta gente.
En cada uno de los recientes shows notamos que
la gente está muy agradecida, mejor que nunca.
Tocamos en nuestra ciudad de origen y fue alucinante.
Yo, particularmente, tengo muchas ganas
de ir a ver un show en vivo, todavía no lo hice.
En los comentarios de sus shows
mucha gente destaca que la voz de
Simon (Le Bon) sigue intacta, ¿cuál es
el secreto?
La verdad es que no lo sé. Pero tienen razón, la
voz de Simon está sonando mejor que nunca.
Todos sentimos eso en la banda. Él es muy cuidadoso
con su voz, hace todos los calentamientos
vocales que existen, tiene talento y además les
pone mucha pasión a sus performances. Está en
un gran momento.
BILLBOARD.BO
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74 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Natalie Pérez y Guaynaa
“Hicimos ‘Tus Besos’ por puro
amor al arte”
Luego de presentar “Espaguetis” junto a Lisandro Skar, Natalie Pérez llega con su primera
colaboración internacional.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO Y JOSEFINA ARMENDÁRIZ
FOTO: GENTILEZA GABY JURADO
Detox”, “espeguetis”
y ahora “Tus Besos”.
En este nuevo single,
Natalie Pérez se vuelva
a desafiar a sí misma:
amplió sus horizontes sumergiéndose
en un reggaetón y fue más allá
de la Argentina al convocar al puertorriqueño
Guaynaa.
“Tus Besos” marca una primera
vez para ambos: por el lado de
Natalie, es su primera colaboración
internacional. Del lado de Guaynaa,
es la primera vez que se une a
un argentino en una canción. Todo
comenzó con un mensaje de Instagram
de la cantante y actriz al artista
puertorriqueño, quien viene de
sumarse a Sebastián Yatra en el hit
“Chica Ideal” y reversionar “Cumbia
a la Gente” con los míticos Ángeles
Azules. Sobre “Tus Besos”, Guaynaa
comparte: “hicimos esta canción
por puro amor al arte”. “Cuando
vaya a Argentina o cuando me vaya
de este mundo, quiero que una de
las canciones por las que me recuerden
sea esta”, agrega.
El sencillo fue producido y mezclado
por Nico Cotton y Mateo
Rodo y masterizado por Javier
Fracchia. La edición vocal estuvo a
cargo de Francesco Mazza y el charango,
violín y acordeón de Santi
Alvarado.
Guaynaa, fue un año movido:
colaboraciones con Los
Ángeles Azules, Sebastián
Yatra…
Guaynaa: Sí, qué te puedo decir.
Una época de reinvención. Gracias a
dios hemos logrado capitalizar y lo
más importante es que hemos crecido
como seres humanos. Gracias
por las felicitaciones y a Argentina
porque está siendo partícipe de
todos los logros que conseguimos.
Natalie, en “Detox” habías
probado nuevos géneros
como la rumba y la cumbia,
¿cómo te sentiste con este
reggaetón?
Natalie: Con este reggaetón suave,
como le digo porque hay hasta
violines en la banda sonora, me
sentí súper cómoda. Escucho todo el
tiempo reggaetón. Soy fan admiradora
de Guaynaa. Siento mucha
alegría, tomó mucho trabajo terminar
esta canción, que hoy estemos
charlando por ella, que se vaya a
presentar el video en una avant premiere
me hace sentir muy orgullosa
y agradecida.
Todo empezó con un mensaje
en Instagram, ¿no?
Natalie: Sí, el mensaje es el lei-motiv.
Pero bueno, hoy en día todo lo
hacemos por Instagram. Tu marca
de ropa preferida, el chico que te
gusta, yo llegué a hablar con Robbie
Williams por Instagram. Le escribí
a Guaynaa, no me respondió, le
volví a escribir, le mandé un video
con el piano y después activamos la
charla. Hoy es un hermano. Siento
admiración total por él, estoy súper
contenta.
¿Por qué Guaynaa?
Guaynaa: Quería que alguien
cantara la segunda parte de la
canción, sentía que tenía que romper
con algo. Es un poco a lo que
estamos acostumbrados ahora, que
alguien de otro estilo se sume a
darle otro sabor a la canción. Quería
que fuera un hombre, de estilo
rap, reggaetón. Soy súper intuitiva
y siempre me dejo guiar por eso.
Venía escuchando una playlist con
varias canciones de Guaynaa y me
gustó su vaina, su energía, que me
hacía bailar.
Guaynaa, en el videoclip te
vimos en la pantalla grande
y a Natalie mirándote,
¿cómo te sientes ahí?, un
Guaynaa actor importante
Guaynaa: Es mucho más de lo que
he pedido, mucho más de lo que
pensé algún día. Estoy agradecido
con la vida y creo que el agradecimiento
es una de las mejores
frecuencias de vibraciones en los
pensamientos para que el universo
atraiga el progreso. Estoy más que
agradecido con esto también, no
solamente porque es lo correcto,
sino porque estoy feliz con lo que
tengo, feliz de lo que estoy siendo
parte, de lo que está saliendo, de lo
que estamos promocionando. Me
tocó ser parte de esta canción muy
especial y una de mis canciones favoritas,
es real. Es una de mis Top 5.
Esperemos que el pueblo argentino,
latinoamericano y del mundo la
reciba de la misma manera.
¿Cuándo fue la última vez
que fueron al cine?
Natalie: Yo anoche, no voy a decir
la película porque era tan aburrida
que empecé a enviar emails. Por ese
lado, confío en las recomendaciones
de Lele, mi novia.
Yo a grabar el video, pero hace
mucho no voy. Extraño mucho la
situación de ir al cine, ojalá pueda
ir pronto.
¿Qué significa la canción
para cada uno?
Natalie: Estoy emocionada, a
punto de llorar casi. Después de
tanto trabajo, verlo materializado,
este momento de compartir. Fue
mucho esfuerzo, mucho deseo. Hoy
Guaynaa me da la mano, me abre la
puerta, comparte su talento conmigo
y me emociona.
Guaynaa: Compartir esta canción
con el pueblo argentino, que sea la
primera colaboración con Argentina,
me enorgullece mucho. Soy
un artista que se toma su tiempo,
me gusta hacer las cosas bien y con
calma. Voy para mi tercer año de
carrera y todavía no he sacado mi
álbum, pero me gusta hacer las cosas
bien. Estoy afilando cañones para el
cono sur y hoy llega esta propuesta
con todo el amor y cariño para Argentina,
es especial. Quiero ir y que
canten y coreen esta canción con el
corazón en la mano. No solamente
porque es mi primera colaboración
con un artista de Argentina, sino
porque nosotros hicimos esto por
puro amor al arte. Aquí hay un sacrificio
enorme, el equipo de Natalie,
Natalie, nosotros, estamos arriesgando
nuestras vidas. Cuando vaya
a Argentina o cuando me vaya de
este mundo, quiero que una de las
canciones por las que me recuerden
sea esta.
Natalie: Seguro te recibirá bien
Guaynaa, sos muy cálido. Tan cálido
como fiestero, que es todo lo que nos
gusta a nosotros.
¿Qué significa el beso para
ustedes?
Natalie: Primero, si un primer
beso funciona, probablemente
pueda funcionar compartir un
rato más después. Si hay buena
química, probablemente te veas
otra vez. A mí me encanta, soy re
besuquera, para mí los besos son
importantes. Por eso hicimos una
canción, imaginate si no nos gusta,
los besos son pura entrega y amor,
como esta canción.
Guaynaa: Para mí un beso significa
un intercambio. No solamente
de fluidos, sino de energía, de vibraciones,
de tensiones, de muchas
cosas. Cuando vas a darte un beso
con una persona, más allá de la
boca con boca, significa muchas cosas.
Si se da con la persona correcta,
tiene mucho efecto. Es un buen intercambio.
BILLBOARD.BO
75
A
ÁLBUMES DEL MES
Ed Sheeran
“=” (Equals)
El artista entregó la
cuarta edición de la serie
de álbumes con símbolos.
Con canciones compuestas
en un período de cuatro años
tras su álbum seminal ‘÷’ (Divide),
‘=’ muestra a Ed evaluando su vida y
sus relaciones a medida que explora
los diversos grados del amor (‘The
Joker And The Queen’, ‘First Times’,
‘2step’), de la pérdida (‘Visiting
Hours’), la resiliencia (‘Can’t Stop
The Rain’) y la paternidad (‘Sandman’,
‘Leave Your Life’), y también
procesa su realidad y su carrera
(‘Tides’). Compuesto y grabado en
Suffolk, Londres, Suecia y Los Ángeles,
el álbum cuenta con la producción
de Ed Sheeran, FRED – No.6
Collaborations Project – y Johnny
McDaid – Divide -, y con la composición
y/o producción adicionales de
Steve Mac, Joe Rubel, Amy Wadge,
Foy Vance, Elvira Anderfjard, David
Ho, Andrew Watt, Lou Bell, Natalie
Hemby y Ben Kweller. El hermano
compositor de Sheeran, Matthew,
también aporta arreglos de cuerdas
en ‘First Times’ y ‘The Joker And
The Queen’. Ed Sheeran comentó: “=
(Equals) es realmente un álbum personal
que significa mucho para mí.
Mi vida cambió en gran medida en
los últimos años: me casé, tuve una
hija, experimenté la pérdida y reflejo
todos estos temas en el álbum. Lo
veo como la obra de mi madurez y
estoy entusiasmado por compartir
este nuevo capítulo con ustedes”.
Don Toliver
“Life of a Don”
se trata del segundo
trabajo discográfico de
Don Toliver. El artista
fue distinguido por
Apple Music como Artista Up Next
y nombrado Rookie of the Year por
Rap Caviar de Spotify. Luego de su
mixtape debut de 2018, Donny Womack,
Don Toliver regresó a la escena
con la presentación de su segundo
álbum, Life Of A Don. El álbum
incluye colaboraciones con artistas
como Kali Uchis, Baby Keem, HVN,
SoFaygo y Travis Scott en los singles
“Flocky Flocky” y “You”. Con su gira
homónima con entradas agotadas en
la mayoría de las ciudades, Toliver
continúa su viaje por Norteamérica.
Recientemente convocó a la cantante
ganadora del GRAMMY Kali
Uchis para su single ‘Drugs N Hella
Melodies. Filmado en Medellín, Colombia,
el video dirigido por Nabil
Elderkin transmite un gancho musical
sobre la producción psicodélica
de Loshendrix [Kehlani, SZA],
DJ Dahi [Kendrick Lamar, Childish
Gambino] y Dylan Wiggins. El
mismo se basa en el guión dinámico
del video inicial dirigido por Nabil
Elderkin para ‘What You Need. Recientemente,
Don Toliver fue convocado
por Kanye West junto a Kid
Cudi para el single “Moon”, incluido
en su álbum DONDA.
76 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
Nicki Nicole
“Parte De Mí”
Consolidada como una
de las artistas más
influyentes de su generación,
el pasado 29 de
octubre Nicki Nicole presentó su
esperado segundo álbum. Parte De
Mí, un trabajo discográfico personal
y versátil, que cuenta con colaboraciones
con Rauw Alejandro, Trueno,
Bizarrap, Mon Laferte, Dread Mar
I, Snow Tha Product, Tiago PZK,
Delaossa, Mora, Ptazeta. Anteriormente,
Nicki había presentado
“Colocao”, “Mala vida”, “Verte” junto
a Dread Mar I y Bizarrap, “Toa la
vida” junto a Mora, “Me has dejado”
junto a Delaossa, “Pensamos” junto
a Mon Laferte, “Baby” y “Sabe”, su
aclamada colaboración con Rauw
Alejadro, producida por Evlay, Mauro
de Tommaso y Caleb Calloway,
y acompañada por un video oficial
dirigido por Gustavo Camacho.
Nicki se prepara para presentarlo
en el Teatro Gran Rex y gran parte
del país, en el “Parte de mí Tour”. El
lanzamiento de Parte de Mi fue una
celebración donde Nicki recibió un
galardón por haber superado los 350
millones de streams en plataformas
digitales, e interpretó con su banda
en vivo el hit “Mala vida” y sus lanzamientos
más recientes “Sabe” y
“Baby”. Sobre el álbum, la rosarina
dice: “Quiero que mi público se
sienta tan Parte De Mi como yo parte
de ellos. Somos la suma de momentos,
personas, lugares, miradas,
risas…todas las cosas que nos unen
y nos hacen quienes somos. Quería
que este álbum sea tan mío como
del público, que se puedan sentir
identificados con las canciones y
las sientan tan propias como yo las
siento. Ellos son en gran parte la razón
por la que estoy donde estoy”.
Coldplay
“Music Of The Spheres”
music of the spheres
incluye el single
“Higher Power”, que
fue reproducido por
primera vez desde la Estación Espacial
Internacional por el astronauta
francés Thomas Pesquet. Coldplay
se convirtió en la primera banda
británica en debutar en la primera
posición del Hot 100 de Estados
Unidos con su colaboración junto
a BTS, “My Universe”. La canción
acumula más de 100 millones de vistas
en YouTube. El lanzamiento del
álbum se produce un día después de
que la banda anunciara una masiva
gira mundial en estadios para 2022.
El listado completo de shows para
la gira Music Of The Spheres World
Tour puede encontrarse en el sitio
web de la banda.
La banda también lanzó un nuevo video
lyric para la canción central del álbum,
“Let Somebody Go”, con letra escrita por
Chris y la cantante invitada
Selena Gómez.
BILLBOARD.BO
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78 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
La coronación del rey
Zeppelin
Es cierto que hay discos que marcan un antes y un después en la historia de una banda. Y si bien para la
época en que salió su cuarto álbum, Led Zeppelin ya era una fuerza reconocida en el mundo del rock,
el famoso “disco sin nombre”, al que muchos llaman Led Zeppelin IV y otros Zoso - debido a uno de los
misteriosos símbolos de su portada - le dio al cuarteto de Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John
Bonham una popularidad y un prestigio ecuménico sin precedentes.
Por Alfredo Rosso
El cuarto álbum
de Led Zeppelin se
empezó a grabar en
diciembre de 1970, en
Londres, en los estudios
Island pero, después de Navidad,
los cuatro músicos se mudaron a
la mansión de Headley Grange en
Hampshire, donde ya habían grabado
parte de Led Zeppelin III, y una
vez más alquilaron el estudio móvil
de los Rolling Stones para registrar
las sesiones. A Jimmy Page le gustaba
especialmente esta mansión de
tres pisos un tanto venida a menos,
porque era cómoda y, además, tenía
una atmósfera especial No todos
opinaban igual: al cantante Plant y
al baterista Bonham el lugar les daba
ciertos escalofríos y el técnico Andy
Johns estaba convencido de que la
casa estaba embrujada. Pero nadie
podía negar que tenía una acústica
impresionante. El álbum se completó
en febrero de 1971, pero hubo
problemas con la mezcla realizada en
Los Angeles y debió re mezclarse en
Londres, lo cual demoró la edición
hasta fines de año.
Led Zeppelin decidió, a propósito,
dejar el disco sin un nombre específico
y no poner información alguna
en la portada.; ni nombre del grupo,
ni títulos de temas, nada. A la gente
de la grabadora le dio un colapso
nervioso. ¿Acaso querían cometer
un suicidio comercial? Led Zeppelin
les respondió que querían apoyarse
exclusivamente en la música. La tapa
mostraba una pared derruida en la
que colgaba un simple cuadro de un
anciano llevando un hato de leña al
hombro. Jimmy Page explicó más tarde:
"el anciano está en armonía con la
naturaleza. Es el Ermitaño de las cartas
de Tarot. Un símbolo de auto-suficiencia
y de sabiduría mística."
Robert Plant intentó aclarar la
cuestión de los cuatro misteriosos
símbolos que adornan el álbum diciendo:
"El mío tomó como modelo
símbolos sagrados de la antigua civilización
Mu, que existió hace 15.000
años como parte de un continente
perdido en el Océano Pacífico, entre
China y México. Muchas cosas
pueden vincularse con la civilización
Mu, incluso las efigies de la Isla
de Pascua.” El símbolo de John Paul
Jones, segundo de la izquierda, viene
del "Libro de los Signos", de Rudolf
Koch, y se dice que representa a
una persona hábil y confiada en sus
fuerzas. El de John Bonham podría
representar la Trinidad o la trilogía:
el hombre, la mujer y el niño. El de
Page, hasta el día de hoy está rodeado
de misterio. Parecen cuatro letras que
forman la palabra Zoso. Los astrólogos
dedujeron que su símbolo sugiere
una persona reservada, ansiosa por
encontrar el conocimiento, la verdad
y la sabiduría interior.
El álbum comienza con "Black
Dog", uno de los riffs más heavys de
Zeppelin, pensado por John Paul Jones,
quien también se hizo cargo del
arreglo, mientras que Page grabó no
menos de cuatro partes de guitarra.
Muchos se preguntaron si el título
fue inspirado por alguna extraña bestia
mítica pero la explicación parece
ser mucho más prosaica: fue bautizado
en honor a un perro amistoso que
daba vuelta por el estudio.
Una introducción de John Bonham
que se volvió clásica fue la de
platos y redoblante que inicia "Rock
And Roll". Fue inspirada por el tema
de Little Richard "Keep A' Knocking",
que Bonham empezó a tocar una tarde.
Page se plegó a la zapada y Plant
improvisó la letra en el momento.
Así, el tema que había empezado
como una broma adquirió personalidad
propia. La parte de piano pertenece
al llamado sexto Rolling Stone,
Ian Stewart, que había llegado con el
estudio móvil de los Stones para dar
una mano con las cuestiones técnicas
y ya que estaba, se sumó al tema.
"The Battle of Evermore" es una
pieza acústica inspirada en míticos
relatos de antiguas batallas. Una noche
en que el resto de la banda ya se
había retirado a descansar, Page su
puso a tocar la mandolina de John
Paul Jones y le fue saliendo la melodía.
Así como amaban la música
de Incredible String Band y de Roy
Harper, Plant y Page admiraban también
a Fairport Convention y habían
compartido escenario con ellos en
1970 en el club Troubadour de Los
Angeles. De esa amistad surgió la
idea de invitar a la cantante de Fairport,
Sandy Denny a cantar con Plant
en el tema.
Ese auténtico himno de Zeppelin,"Stairway
to Heaven”, fue estrenado
en vivo el 5 de marzo de 1971 en
Belfast, Irlanda del Norte. Cuenta, en
términos muy poéticos, la historia
de una dama que busca el perfeccionamiento
espiritual. Robert Plant
siempre fue un amante de la mitología
céltica y citó la obra de Lewis
Spence "Las Artes Mágicas en la Gran
Bretaña Céltica" como una fuente de
inspiración. Con su lento crescendo
folk, el exquisito solo de Page y
el final a toda orquesta, "Stairway…"
tenía todos los atributos dramáticos
de un hit. El verdadero impacto de la
canción, sin embargo, se sintió con
el paso de los años, al convertirse
en el tema más pasado por la radio
estadounidense.
Letras ensoñadas, con cierta onda
hippie, adornan las estrofas de "Misty
Mountain Hop", que abre el lado dos
en la versión de vinilo, destacando el
piano eléctrico de John Paul Jones.
"Four Sticks" fue escrito por Page
y Plant en la India, como parte de un
viaje alrededor del mundo que realizaron
en busca de sonidos étnicos.
Hay una intensa labor percusiva de
Bonham y el título alude a la cantidad
de palillos que utilizó para castigar
a su batería en la grabación.
Por su parte, "Going To California”
tiene una de las más atractivas
melodías de Plant y se dice que fue
influenciado por la cantautora canadiense
Joni Mitchell, a quien tanto
Plant como Page admiraban. Tomó
forma durante una zapada nocturna,
de madrugada, en Headley Grange.
Jones y Page se sentaron alrededor
del fuego del hogar y tocaron sus
mandolinas mientras Plant improvisaba
la letra.
Tres elementos sobresalen en el
tema que cierra el álbum,"When The
Levee Breaks": la imponente batería
de John Bonham, el sonido de la
armónica de Plant y el hipnótico riff
de guitarra de Page. Pero Bonham
no estaba satisfecho con el sonido
que le sacaba a su instrumento, hasta
que Page y el técnico Andy Johns
encontraron la solución: hicieron que
los asistentes instalaran la batería de
Bonham en el hall de Headley Grange,
mientras Johns ubicaba dos micrófonos
bien arriba del instrumento.
El sonido fue reforzado alimentándolo
a través de la cámara de eco de
la guitarra y "comprimiéndolo hasta
el hartazgo", según Johns. Así, el sonido
ominoso de la batería le dio al
tema ese tono monolítico de peligro
inminente, como de un dique a punto
de romperse. El tema original en el
que está basado es una antigua canción
de la cantante de blues Memphis
Minnie y su esposo, el músico Kansas
Joe McCoy, escrita en 1929 acerca de
la tremenda inundación que asoló el
Delta del Mississippi en esos tiempos.
El cuarto álbum de Led Zeppelin
apareció en el sello Atlantic, el 8
de noviembre de 1971 y a la semana
encabezó el chart del Reino Unido.
En Estados Unidos tuvo un éxito
espectacular pero, curiosamente, no
llegó al tope del ranking, deteniéndose
en el puesto 2. El disco llevó a Led
Zeppelin a un nivel de popularidad
sin precedentes en la historia de la
banda, y lleva vendidos hasta el momento
unos 40 millones de ejemplares
en todo el mundo.
BILLBOARD.BO
79
INFORMACIÓN DE LA SEMANA 20.11.2021
Key Glok
Yellow Tape 2
El rapero ha producido su álbum más
exitoso en el chart hasta el momento
(y su tercer top 10), ya que su último
lanzamiento lleva 36.000 unidades
vendidas de álbumes equivalentes en
los Estados Unidos en la semana que
terminó el 11 de noviembre, según
MRC Data.
POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES
Luke Combs
What You See Is What You Get
Dos años después de su lanzamiento,
el 8 de noviembre de 2019, el álbum
suma 3.5 millones de unidades de
álbumes equivalentes, alcanzó el
número 1 dos veces y aún no ha salido
del top 25.
Chris Stapleton
Starting Over
El álbum (17.000 unidades; un aumento
del 29%) se suma de nuevo en el chart
en su posición más alta desde el chart
del 13 de febrero (también No. 33).
Esto sucede luego del premio al álbum
del año que recibió por parte de la
Asociación de Música Country.
La leyenda del pop obtiene su álbum con
más alta posición en las listas de éxitos en
el Billboard 200 y el primer top 10, es que
“Voyage” debuta en el N° 2. El registro se
lanzó el 5 de noviembre y es el primer álbum
de estudio del cuarteto desde The Visitors
de 1981. Voyage comenzó con 82.000
unidades de álbumes equivalentes vendidas
en los Estados Unidos en la semana que
terminó el 11 de noviembre, según MRC
Data. De esa suma, 78.000 corresponden a
la ventas de álbumes, la semana de ventas
más importante para un grupo en 2021. A su
vez, Voyage es el álbum más vendido de la
semana y llega al número 1 en las listas de
álbumes de ventas principales y álbumes de
vinilo con 17.000 copias vendidas.
Hasta la llegada de Voyage, el álbum con
mayor ranking de ABBA en el Billboard 200 era The Album de 1978, que
alcanzó el puesto 14 en la lista del 22 de julio de 1978.
—KEITH CAULFIELD
INGRESÁ EN BILLBOARD.COM PARA VER EL CHART COMPLETO
80 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021
POST MALONE FOTO: MATT WINKELMEYER/GETTY IMAGES
dos canciones saltan al top 10 de
Billboard Global 200, una de ellas
liderada por Post Malone (arriba)
y su primera colaboración con The
Weeknd, “One Right Now”. El sencillo
comienza en el número 9 con 37.8
millones de reproducciones y 16.700
descargas vendidas en todo el mundo
en la semana que finalizó el 11 de noviembre, según MRC Data, tras su
lanzamiento el 5 de noviembre. Post Malone obtiene su primer éxito en
el Top 10 de Global 200 y The Weeknd agrega su sexto.
Por su parte, el “Escape Plan” de Travis Scott debuta en el número
10 con 39,2 millones de reproducciones y 9.400 vendidas en todo el
mundo, lo que marca su tercera entrada en el top 10 en la lista. Lanzó
la pista el 5 de noviembre, justo antes de la noche de apertura de su
festival Astroworld en Houston, que terminó en tragedia después de que
las oleadas de multitudes resultaron en 10 muertes y cientos de heridos.
Mientras tanto, por segunda vez, y segunda semana consecutiva, desde
el lanzamiento del Global 200, los cinco primeros de la lista incluyen
exclusivamente artistas de fuera de los Estados Unidos. Los países de
origen de los actos: Inglaterra (Adele, Ed Sheeran, Elton John y Dua
Lipa), Australia (The Kid LAROI), Canadá (Justin Bieber) y Nigeria (CKay).
“La belleza de la música británica a lo largo de los años es que ha
abarcado muchos géneros”, dice Martin Talbot, director ejecutivo de
Official Charts Company, con sede en Londres, sobre el éxito de los
artistas británicos en los tramos superiores de la lista. “La naturaleza
multicultural de nuestra sociedad, con la inmigración de tantas partes
del mundo, incluido el Caribe, el Lejano Oriente, el norte, este y el sur
de Europa, África e incluso Irlanda, siempre ha contribuido a alimentar la
gran riqueza de nuestra cultura y nuestra música.” —GARY TRUST
INGRESÁ EN BILLBOARD.COM PARA VER EL CHART COMPLETO
82 BILLBOARD BOLIVIA | NOVIEMBRE 2021